게 하는 작고 미세한 징후들인지도 모른다. 는 사라지고 생성되는 것들, 보이는 것과 보이지 않는 것, 인간과 비인간의 경계가 서로 스며드는 순간을 포착하여, 불확실성이 가중된 미래 앞에선 우리 자신을 향한 불편한 물음을 제안하고 있다. (박형근, 2020)2b:T969,1. Thoughts on “Overlay” The “Overlay” series focuses on transient and insignificant presences such as colour and smoke, flowers and insects, and drops of water. Familiar objects we encounter easily in daily life sometimes appear in unfamiliar forms, and as they overlap and collide, new sensations and meanings emerge. Here, overlay goes beyond a visual form in which images are superimposed; it is also a process in which disparate beings, times and senses interfere with one another and form relationships. These relationships recall the phenomenon of diffraction, in which one wave meets another and creates an unexpected pattern. Diffraction is a metaphor for uncertainty and anxiety, and at the same time a way of sensing that newly reveals differences and relationships once hidden beneath the order of the familiar world. A universe made by mayflies, a pair of hardened dragonflies, fragments of a broken sun, overlapping moons, fruit dyed red, rising smoke — we are easily stirred by the faintest responses of very small and trivial things. The small objects that appear in these photographs evoke the finitude of existence, the catastrophe of desire and the contradictions hidden behind progress. Today, as environmental destruction and the climate crisis deepen, these images reveal the moment when the certainties we have accumulated toward the future begin to waver, and the sense of anxiety that arises from it. In this series, beings that seem small and insignificant do not remain a background subordinate to the development of great civilisations or to human will. Each responds to the world in its own way, becomes entangled with other beings, and causes changes that humans cannot predict or control. Encounters with these microscopic beings paradoxically make us look back at ourselves. The belief that we can understand and master the world, and the conviction that progress and development will always guarantee a better future, can no longer be taken for granted. Perhaps what we face is not a scene of great catastrophe, but the small, subtle signs that foreshadow it. “Overlay” captures moments when what disappears and what comes into being, the visible and the invisible, and the boundaries between human and non-human seep into one another, posing an uncomfortable question to ourselves as we stand before an increasingly uncertain future. (Hyung-Geun Park, 2020)2c:Tad8,1. Réflexions sur « Overlay » La série « Overlay » s’intéresse à des présences éphémères et ténues : la couleur et la fumée, les fleurs et les insectes, les gouttes d’eau. Des objets familiers que l’on croise aisément au quotidien apparaissent parfois sous un jour étrange et, en se superposant et en s’entrechoquant, font naître des sensations et des significations nouvelles. Ici, l’overlay dépasse la simple forme visuelle de la superposition d’images : c’est aussi un processus par lequel des êtres, des temps et des sensations hétérogènes interfèrent et tissent des relations. Ces relations rappellent le phénomène de diffraction, où une onde en rencontre une autre et produit un motif inattendu. La diffraction est une métaphore de l’incertitude et de l’inquiétude, et en même temps une manière de percevoir qui révèle à nouveau des différences et des relations jusque-là masquées par l’ordre du monde familier. Un univers créé par des éphémères, un couple de libellules figées, les éclats d’un soleil brisé, des lunes superposées, des fruits teintés de rouge, une fumée qui s’élève — nous sommes facilement troublés par les plus infimes réactions de choses minuscules et insignifiantes. Les petits objets qui apparaissent dans ces photographies évoquent la finitude de l’existence, la catastrophe du désir et les contradictions cachées derrière le progrès. Aujourd’hui, alors que la destruction de l’environnement et la crise climatique s’aggravent, ces images révèlent l’instant où les certitudes accumulées en direction de l’avenir vacillent, et le sentiment d’inquiétude qui en découle. Dans cette série, les êtres qui semblent petits et dérisoires ne restent pas un simple arrière-plan soumis au développement des grandes civilisations ou à la volonté humaine. Chacun réagit au monde à sa manière, s’enchevêtre avec d’autres êtres et provoque des changements que l’humain ne peut ni prévoir ni maîtriser. La rencontre avec ces êtres microscopiques nous ramène paradoxalement à nous-mêmes. La croyance que nous pouvons comprendre et dominer le monde, la conviction que le progrès et le développement garantiront toujours un avenir meilleur, ne peuvent plus aller de soi. Peut-être ce à quoi nous faisons face n’est-il pas la scène d’une grande catastrophe, mais les signes ténus et infimes qui la laissent pressentir. « Overlay » saisit les instants où ce qui disparaît et ce qui naît, le visible et l’invisible, les frontières entre l’humain et le non-humain s’imprègnent les uns les autres, et soumet à nous-mêmes une question inconfortable face à un avenir de plus en plus incertain. (Hyung-Geun Park, 2020)2d:T4ac,Series 1: “Trace (2016)” Every being has its own history. Beings move by themselves or are carried by other forces; they grow or wear away. The traces left on a surface are the result of the time that has passed and accumulated in this way. In the sea at Reykjavík, Iceland, black volcanic ash was drifting. The waves beat against the sand and dragged it into the cold water. Some sand held on as if clinging to the shore, while some was swept away by the waves and vanished. Watching this, the artist felt as if looking inside someone’s mind: the traces left in a life, the memories one tries to hold on to, and time that rushes in without warning and covers everything. No moment can remain in its complete form, yet neither does it vanish entirely. Traces blur and scatter, and at the same time mix with other things and remain in new forms. Nothing is perfectly preserved, and nothing disappears completely. Memory and time constantly gather and scatter, making the now in which we stand — an endless present, fixed neither to the past nor to the future. The waves of Reykjavík repeated this cycle before the artist’s eyes, vividly revealing the way existence and memory dwell.2e:T591,Série 1 : « Trace (2016) » Chaque être a sa propre histoire. Les êtres se déplacent d’eux-mêmes ou sont emportés par d’autres forces ; ils grandissent ou s’usent. Les traces laissées à la surface sont le résultat du temps ainsi écoulé et accumulé. Dans la mer de Reykjavík, en Islande, flottaient des cendres volcaniques noires. Les vagues frappaient le sable et l’entraînaient dans l’eau froide. Certains grains résistaient comme pour s’accrocher à la plage, d’autres étaient emportés par les vagues et disparaissaient. En regardant ce spectacle, l’artiste a eu le sentiment de contempler l’intérieur de l’esprit de quelqu’un : les traces laissées par une vie, les souvenirs que l’on cherche à retenir, et le temps qui déferle sans prévenir et recouvre tout. Aucun instant ne peut demeurer intact, mais aucun ne disparaît non plus entièrement. Les traces s’estompent et se dispersent, tout en se mêlant à d’autres choses pour subsister sous de nouvelles formes. Rien n’est parfaitement préservé, et rien ne s’efface tout à fait. La mémoire et le temps ne cessent de se rassembler et de se disperser, et composent le présent où nous nous tenons — un présent sans fin, fixé ni au passé ni à l’avenir. Les vagues de Reykjavík répétaient ce cycle sous ses yeux et révélaient avec netteté la manière dont l’existence et la mémoire demeurent.2f:T4f0,Dans l’image, l’architecture traditionnelle évoque le passé, la ligne d’horizon de la ville moderne le présent, le ciel nocturne avec ses étoiles et sa lune un écoulement du temps bien plus vaste que l’histoire humaine, et les plantes et les oiseaux la nature. Ces éléments se superposent comme des calques dans une même image, mis en scène pour que des ordres temporels et des environnements différents semblent reliés dans un seul espace. Au fil du temps, l’espace change sans cesse, et chaque époque y forme son propre contexte et sa propre culture. Les vies et les cultures des différentes époques laissent des traces dans l’espace, et ces traces, en rencontrant un temps nouveau, créent d’autres paysages encore. Les espaces où nous vivons ne sont pas non plus faits du visage d’une seule époque. Des cultures et des histoires diverses, formées à des moments différents, s’accumulent en strates et se relient pour composer ce qu’ils sont aujourd’hui. Ainsi, le temps et l’espace, l’époque et la culture n’existent pas indépendamment les uns des autres : ils sont reliés et ne cessent de s’influencer. Dans le paysage présent qui s’offre à nous coexistent les traces d’innombrables époques passées.30:Tc41,<거품은, 삼켰다. 다시. 시작.>은 오와칠호의 연작 가운데 한 점이다. <채소처럼 자라는 근력>, <조용히. 루틴.>, <자다가 깼는데 내 앞에!>와 함께 아래의 산문 한 편을 나눈다. 제목은 산문 속 '삼킬 수 없는 것'과 '거품이 된 나를 더 이상 실패로만 부르지 않기로 한다'는 대목과 맞닿아 있다. 화면에서는 찢긴 흰 종이 땅 위로 파란 물결 줄기 여러 가닥이 길게 흘러내리고, 가운데에 반투명한 종이가 돛처럼 휘어 서 있다. 실패를 다듬는 현재로 돌아온다. 실패는 사라지지 않았다. 크기를 줄이고, 모서리를 갈아내고, 다른 이름을 붙여도, 완전히 없어지지 않은 채 남아 있다. 아무리 잘게 잘라도 삼킬 수 없는 것이 목구멍에 걸려 있다. 끝내 소화하지 못한 것들과 살아간다는 것은 몸속에 아직 발견되지 않은 장소를 하나씩 늘려 가는 일인지도 모른다. 그곳에는 내가 버렸다고 생각했던 것들이 나보다 오래 살고 있다. 조용해 보이는 날들은 같은 장소에 명랑한 날씨를 모으고 있다. 아무 일도 일어나지 않는 동안에도 채소처럼 근력이 자라고, 보이지 않는 뿌리들은 어제의 바닥을 뚫고 내려간다. 우리는 신선한 시계를 얇게 썰어 두꺼운 샌드위치를 만들었다. 잘게 썬 시간은 입안에서 아삭거렸고, 우리는 그것을 나누어 먹었다. 지나간 시간은 여전히 목구멍 어딘가에 걸려 있지만, 그 사이에도 새로운 날들은 자라고 있다. 그러던 어느 날, 자다가 깼는데 부릉부릉, 부르릉. 비밀이 떠 있었다. 잠과 깨어 있음 사이, 파란 응시가 나를 꿰뚫고 있었다. 그 시선 너머에는 아직 도착하지 않은 시간이 있었다. 미래의 나와 지금의 내가 서로를 향해 열어 둔 통로. 내가 알지 못하는 얼굴을 한 미래의 내가, 그 너머에서 나를 바라보고 있었다. 두려워 피하고 싶었던 파랑새. 그 파란빛 속에서 미래에서 건너온 가능성의 신호를 읽었다. 외면한 것들은 사라지는 대신 다른 입구를 만들었다. 어떤 것은 꿈으로, 어떤 것은 설명할 수 없는 감각으로, 어떤 것은 끝내 삼키지 못한 기억으로 돌아왔다. 부릉부릉, 부르릉. 오늘의 비밀이 다시 시동을 건다. 거품이 된 나를 더 이상 실패로만 부르지 않기로 한다. 파도와 거품은 서로를 없애지 않은 채 같은 물속에 공존한다. 파도는 부서지는 바로 그 순간 자신의 형태를 드러내고, 거품은 사라지면서도 잠시 그 흔적을 남긴다. 어쩌면 우리 역시 그런 방식으로 변하고 있는지 모른다. 무언가를 완전히 극복하거나 하나의 모습으로 완성되는 대신, 흩어지고 다시 모이면서. 아무 일도 일어나지 않는 곳에서 모든 것이 조금씩 움직이고 있다. 이미 지나가 버린 것과 아직 오지 않은 것 사이의 텅 빈 간극에서, 존재의 흔들림을 보살핀다.31:Tb55,“Bubbles, swallowed. Again. Start.” is one of the works in a series by OWA-7HO. Together with “Muscular strength growing like a vegetable.”, “Quietly. Routine.” and “I was sleeping, I woke up, and in front of me!”, it shares the prose text below. The title echoes the passages in the text about ‘something that cannot be swallowed’ and ‘I decide no longer to call the me that has turned into bubbles merely a failure’. In the picture, several wavy blue strands pour down over torn white paper laid like ground, and a translucent sheet curves upright at the centre like a sail. I return to the present, where failure is being polished. Failure has not disappeared. Even when shrunk, ground down at the edges and given another name, it remains, never fully gone. Something that cannot be swallowed, no matter how finely it is cut, is stuck in the throat. Living with what one has never managed to digest may be a matter of adding, one by one, places in the body that have not yet been discovered. There, the things I thought I had thrown away are living longer than I am. Days that seem quiet are gathering cheerful weather in the same place. Even while nothing happens, muscular strength grows like a vegetable, and invisible roots push down through yesterday’s floor. We sliced a fresh clock thinly and made a thick sandwich. The finely chopped time crunched in our mouths, and we shared it. Time gone by is still stuck somewhere in the throat, but in the meantime new days are growing. Then one day, I was sleeping, I woke up — vroom vroom, vrooom. A secret was floating there. Between sleep and waking, a blue gaze was piercing through me. Beyond that gaze lay a time that had not yet arrived: a passage that my future self and my present self had left open toward each other. My future self, wearing a face I did not know, was looking at me from the other side. The bluebird I had wanted to flee out of fear. In that blue light, I read a signal of possibility that had crossed over from the future. The things I turned away from, instead of disappearing, made other entrances. Some came back as dreams, some as sensations I cannot explain, some as memories I never managed to swallow. Vroom vroom, vrooom. Today’s secret starts its engine again. I decide no longer to call the me that has turned into bubbles merely a failure. Waves and bubbles coexist in the same water without erasing each other. A wave reveals its form at the very moment it breaks, and bubbles leave a trace for a moment even as they vanish. Perhaps we too are changing in that way — not by completely overcoming something or becoming complete in a single form, but by scattering and gathering again. In a place where nothing happens, everything is moving little by little. In the empty gap between what has already passed and what has not yet come, I tend to the trembling of existence.32:Tc49,« Bubbles, swallowed. Again. Start. » est l’une des œuvres d’une série d’OWA-7HO. Avec « Muscular strength growing like a vegetable. », « Quietly. Routine. » et « I was sleeping, I woke up, and in front of me! », elle partage le texte en prose ci-dessous. Le titre fait écho aux passages du texte sur “quelque chose qu’on ne peut avaler” et “je décide de ne plus appeler seulement échec ce moi devenu écume”. Dans l’image, plusieurs filets bleus ondulés ruissellent sur un papier blanc déchiré posé comme un sol, et une feuille translucide se courbe au centre comme une voile. Je reviens au présent, où l’on polit l’échec. L’échec n’a pas disparu. Même réduit, les angles limés, rebaptisé, il demeure, jamais tout à fait effacé. Quelque chose qu’on ne peut avaler, si finement qu’on le coupe, reste coincé dans la gorge. Vivre avec ce que l’on n’a jamais pu digérer, c’est peut-être multiplier, un à un, des lieux du corps encore inexplorés. Là, les choses que je croyais avoir jetées vivent plus longtemps que moi. Les jours qui semblent calmes rassemblent un temps joyeux au même endroit. Même quand rien ne se passe, la force musculaire pousse comme un légume, et des racines invisibles s’enfoncent à travers le sol d’hier. Nous avons coupé une horloge fraîche en fines tranches pour en faire un sandwich épais. Le temps finement haché craquait sous la dent, et nous l’avons partagé. Le temps passé reste coincé quelque part dans la gorge, mais pendant ce temps de nouveaux jours poussent. Et puis un jour, je dormais, et au réveil — vroum vroum, vrrroum. Un secret flottait là. Entre le sommeil et l’éveil, un regard bleu me transperçait. Au-delà de ce regard se trouvait un temps qui n’était pas encore arrivé : un passage que mon moi futur et mon moi présent avaient laissé ouvert l’un vers l’autre. Mon moi futur, avec un visage que je ne connaissais pas, me regardait de l’autre côté. L’oiseau bleu que j’avais voulu fuir par peur. Dans cette lumière bleue, j’ai lu un signal de possibilité venu de l’avenir. Les choses dont j’avais détourné les yeux, au lieu de disparaître, se sont ouvert d’autres entrées. Certaines sont revenues sous forme de rêves, d’autres de sensations inexplicables, d’autres encore de souvenirs que je n’ai jamais pu avaler. Vroum vroum, vrrroum. Le secret du jour redémarre. Je décide de ne plus appeler seulement échec ce moi devenu écume. La vague et l’écume coexistent dans la même eau sans s’effacer l’une l’autre. La vague révèle sa forme à l’instant même où elle se brise, et l’écume, en disparaissant, laisse un instant sa trace. Peut-être changeons-nous, nous aussi, de cette manière — non pas en surmontant complètement quelque chose ou en nous accomplissant dans une forme unique, mais en nous dispersant et en nous rassemblant de nouveau. Là où rien ne se passe, tout bouge peu à peu. Dans l’intervalle vide entre ce qui est déjà passé et ce qui n’est pas encore venu, je prends soin du vacillement de l’existence.33:T5f7,Okchundang (玉春糖) is a traditional Korean candy made by mixing rice flour with grain syrup and dyeing it in bright colours. Looking at its round cross-section, you see coloured segments radiating from the centre outward and coming together to form a circle. People stacked these candies high like towers on tables for ancestral rites and feasts, putting into the act of filling the table high their wishes for the family’s peace and good fortune. This method of building a large form by stacking the same candy layer by layer was also a rule that people had kept by hand for a long time. This work comes from a generative animation that translates that rule into code. The artist divides the round cross-section of okchundang into fan-shaped segments and sets rules for how the segments rotate, stack and arrange themselves according to conditions, building a larger structure. Because chance differences are added to the fixed rules, the density, rhythm and tension of the pattern vary slightly from scene to scene, and the same scene never appears again. This image is one moment chosen and frozen from that continuous flow of scenes. Rather than drawing the shape of okchundang as it is, the artist turned the repetition of stacking that people had carried on by hand into rules and had the computer continue it. What the artist decides goes only as far as the rules; the appearance of each scene is determined as the calculation proceeds. This single scene is one cross-section cut from that ever-changing process.34:T6ac,L’okchundang (玉春糖) est un bonbon traditionnel coréen fait de farine de riz mêlée à du sirop de céréales, teinté de couleurs vives. Sa section ronde laisse voir des fragments colorés qui rayonnent du centre vers l’extérieur et se rejoignent pour former un cercle. On empilait ces bonbons en hautes tours sur les tables des rites ancestraux et des banquets, et l’on mettait dans le fait de garnir la table en hauteur le souhait de la paix et du bonheur de la famille. Cette manière de construire une grande forme en superposant couche après couche le même bonbon était aussi une règle que l’on avait longtemps perpétuée à la main. Cette œuvre est issue d’une animation générative qui traduit cette règle en code. L’artiste divise la section ronde de l’okchundang en secteurs en éventail et fixe des règles selon lesquelles ces secteurs tournent, s’empilent et s’ordonnent en fonction de conditions, pour bâtir une structure plus vaste. Comme des différences dues au hasard s’ajoutent aux règles établies, la densité, le rythme et la tension du motif varient légèrement d’une scène à l’autre, et la même scène ne réapparaît jamais. Cette image est un instant choisi et figé dans ce flux continu de scènes. Plutôt que de dessiner la forme de l’okchundang telle quelle, l’artiste a transformé en règles la répétition de l’empilement que l’on perpétuait à la main, et l’a confiée à l’ordinateur pour qu’il la poursuive. Ce que décide l’artiste s’arrête aux règles ; l’aspect de chaque scène se détermine au fil du calcul. Cette scène unique est une coupe prélevée dans ce processus en perpétuel changement.35:T960,“Giving birth to one life is the same as giving birth to one death.” Starting from this realisation in childhood, this work visualises Purgatory — the boundary between heaven and hell — as an alternative space outside the providence of life and death. SIM Moby’s Purgatory universe, SIM_Purgatory, is being built on a scale of 10,000 works in total, excluding drawings, unfolding across six genres: drawing, digital painting, collage, mixed media, painting and three-dimensional works. Based on the Eastern philosophy of the six realms of rebirth, this universe borrows the concept of Purgatory as “the place where one stays before reincarnation” to realise a “reincarnation of painting”, in which the original drawing is reborn in various genres. The 2D landscapes, built by borrowing motifs from this world, are immaterial spaces fusing the artist’s autobiographical experiences and Eastern identity with monstrous forms and imagined images of past lives. For the utopian permanence of Purgatory, the works are completed through a first stage handling physical materials, followed by a second stage in digital media, which knows no physical decay. The work presented here, “094 SIM_Scenery”, is a digital painting from the “SIM_Scenery” (Landscapes of Purgatory) series, which belongs to the “Background” axis — one of a series completed by newly colouring the original drawing in Photoshop. Every work is named with its own number and series name, which serve as a code identifying its position and genre within the overall structure of 10,000 works. In particular, the three works 092, 093 and 094, which include this piece, form a special series whose compositions flow organically into one another, and were produced in a limited edition of 5 to heighten their rarity. Each work bears its own subtitle, “Purgatory of …”; this work takes “Purgatory of Stubbornness” as its theme and visualises the poem below, which holds the artist’s autobiographical experience. SIM Moby – Poem Missing your shimmering figure, I bury my sorrow in my heart Fearing a mm-mm-mm moan be heard, I hide without a word. Beneath colourless wind and rain my weariness, turned away, would show, so I count my memories and cover it. Unable to forget what I should forget, trying to forget what I can never forget “Purgatory of Stubbornness” – SIM Moby36:Taae,« Donner naissance à une vie, c’est donner naissance à une mort. » Partant de cette prise de conscience survenue dans l’enfance, ce travail donne forme au Purgatoire — frontière entre le paradis et l’enfer — comme espace alternatif échappant à l’ordre de la vie et de la mort. L’univers du Purgatoire de SIM Moby, SIM_Purgatory, se construit à l’échelle de 10 000 œuvres au total, dessins non compris, et se déploie en six genres : dessin, peinture numérique, collage, techniques mixtes, peinture et œuvres en volume. Fondé sur la philosophie orientale des six voies de la réincarnation, cet univers emprunte la notion de Purgatoire comme « lieu où l’on séjourne avant de renaître » pour réaliser une « réincarnation de la peinture », dans laquelle le dessin originel renaît sous différents genres. Les paysages en 2D, construits à partir de motifs empruntés au monde d’ici-bas, sont des espaces immatériels où se fondent l’expérience autobiographique de l’artiste, son identité orientale, des formes monstrueuses et des images imaginaires de vies antérieures. Pour la permanence utopique du Purgatoire, les œuvres sont achevées en deux temps : un premier travail sur des matériaux physiques, puis un second en médium numérique, qui ne connaît pas de disparition matérielle. L’œuvre présentée, « 094 SIM_Scenery », est une peinture numérique de la série « SIM_Scenery » (Paysages du Purgatoire), qui appartient à l’axe « Arrière-plan » — l’une des œuvres d’une série achevée en recolorisant le dessin original dans Photoshop. Chaque œuvre porte un numéro et un nom de série qui lui sont propres, formant un code qui identifie sa place et son genre dans la structure globale des 10 000 œuvres. En particulier, les trois œuvres 092, 093 et 094, dont fait partie celle-ci, forment une série singulière dont les compositions se prolongent organiquement, et ont été réalisées en édition limitée à 5 exemplaires pour en accroître la rareté. Chaque œuvre porte un sous-titre propre, « Purgatoire de … » ; celle-ci a pour thème le « Purgatoire de l’obstination » et donne forme au poème ci-dessous, qui porte l’expérience autobiographique de l’artiste. SIM Moby – Poème Regrettant ta silhouette qui scintille, j’enfouis mon chagrin dans mon cœur De peur qu’on entende un gémissement, mm mm mm, je me cache sans dire un mot. Sous la pluie et le vent sans couleur ma lassitude, de dos, se verrait, alors je compte mes souvenirs et la dissimule. Ne pouvant oublier ce qu’il faudrait oublier, tentant d’oublier ce que je ne pourrai jamais oublier « Purgatoire de l’obstination » – SIM Moby37:T4ea,This work explores the possibilities of the “Digital Sublime” through a landscape that emerges at the boundary between the natural and the artificial. Familiar natural processes — the movement of water, the growth of plants, the formation of mountains and terrain — are newly composed in a digital environment and unfold as an ecosystem with no counterpart in the real world. Water seems to flow without leaving a trace, and plants and terrain seem to take shape without a fixed identity. The boundaries between matter and immateriality, motion and stillness, emergence and disappearance become uncertain. Rather than representing nature as it is, the work imagines other conditions under which nature might exist. For the artist, artificial intelligence is not simply a tool for producing images. It is a creative medium that allows the forms of the natural world to be transformed and new possibilities of existence to be explored. The creatures and landscapes that result evoke both the familiarity of nature’s beauty and a subtle sense of strangeness. Viewers encountering this impossible landscape experience wonder and unease at once, and are invited to reconsider where the boundaries of nature — and indeed of existence itself — lie.38:T592,Cette œuvre explore les possibilités du « sublime numérique » (Digital Sublime) à travers un paysage qui surgit à la frontière du naturel et de l’artificiel. Des processus naturels familiers — le mouvement de l’eau, la croissance des plantes, la formation des montagnes et du relief — sont recomposés dans un environnement numérique et se déploient en un écosystème sans équivalent dans le monde réel. L’eau semble couler sans laisser de trace, et les plantes et le relief semblent prendre forme sans identité fixe. Les frontières entre matière et immatériel, mouvement et immobilité, apparition et disparition deviennent incertaines. Plutôt que de représenter la nature telle qu’elle est, l’œuvre imagine d’autres conditions dans lesquelles la nature pourrait exister. Pour l’artiste, l’intelligence artificielle n’est pas un simple outil de production d’images. C’est un médium de création qui permet de transformer les formes du monde naturel et d’explorer de nouvelles possibilités d’existence. Les êtres et les paysages qui en résultent suscitent à la fois la familiarité de la beauté naturelle et un subtil sentiment d’étrangeté. Face à ce paysage impossible, le spectateur éprouve à la fois émerveillement et inquiétude, et il est invité à repenser où se situent les frontières de la nature, et plus encore celles de l’existence elle-même.39:T560,“Korean Schooling” is a photographic series Andrés made on a first visit to Korea in 2018. Invited by Pinzle Magazine, Andrés came to Korea to hold a solo exhibition, run workshops and take photographs. Seoul was a vibrant city, full of remarkable contemporary architecture worth photographing, and Andrés was having a wonderful time there. But on the eleventh day of the trip, a chance event changed the plan: wandering lost, Andrés stepped into a school playground. The moment the camera turned toward the school entrance, Andrés was captivated by the scene: the symmetrical composition, the colours, the clock, the trees, and lettering in a script Andrés could not read. With the click of that first shutter, Andrés wanted to explore other schools and discover their aesthetics — to see whether this could become a series. From that day on, Andrés devoted most of the visit to that goal. The result of visiting dozens of schools in Seoul and Busan is “Korean Schooling”. It was a moment to trust one’s instinct, and Andrés did exactly that. A school is a place that reveals much about a society. These photographs therefore allow a deeper understanding of Korean society. The symmetry of the architecture, the colours, the abundance of national symbols, the love of sport and above all the striking presence of football — none of it is accidental.3a:T65f,« Korean Schooling » est une série photographique réalisée par Andrés lors d’une première visite en Corée, en 2018. À l’invitation du magazine Pinzle, Andrés a fait le voyage en Corée pour y présenter une exposition personnelle, animer des ateliers et photographier. Séoul était une ville pleine d’énergie, riche d’une remarquable architecture contemporaine digne d’être photographiée, et Andrés y passait un excellent séjour. Mais au onzième jour du voyage, un événement fortuit a changé ses plans : en errant sans repères, Andrés a pénétré dans la cour d’une école. Au moment de tourner l’appareil vers l’entrée de l’école, la scène a captivé Andrés : la composition symétrique, les couleurs, l’horloge, les arbres, et des inscriptions dans une écriture illisible pour un regard étranger. Dès le premier déclenchement, Andrés a eu envie d’explorer d’autres écoles et d’en découvrir l’esthétique, pour voir si cela pouvait devenir une série. À partir de ce jour, l’essentiel du séjour a été consacré à ce but. Le fruit de la visite de dizaines d’écoles à Séoul et à Busan, c’est « Korean Schooling ». C’était le moment de faire confiance à son intuition, et c’est exactement ce qu’Andrés a fait. L’école est un lieu qui révèle bien une société. Ces photographies permettent donc de mieux comprendre la société coréenne. La symétrie de l’architecture, les couleurs, l’abondance des symboles nationaux, l’amour du sport et surtout la présence frappante du football : rien de tout cela n’est le fruit du hasard.3b:T697,Internationally recognised brand director and visual artist Jason Kim (Kim Daehwan) draws inspiration from seeing the world in its most fundamental form. The artistic journey begins with a quiet search for essence. Once the layers are peeled away one by one, only what can no longer be reduced remains: the enduring nature of things, the traces of time, and colours rooted deep in the land. That journey returns to Busan, the Korean port city where the artist was born and raised. Beyond the ever-changing city skyline lie quieter fragments of eternity: the weathered roofs of old temples, coastal rocks carved by wind and waves over centuries, and seabirds that have stayed on the same beaches since the artist’s childhood. For Jason Kim, these are not mere scenery. They are “quiet survivors of time”, bearing witness to a world that has endured beyond human intervention and holding a wordless beauty and primordial purity. Rather than simply documenting such places, the artist seeks to collect the time held within them. Through colours that are restrained yet evocative, intricate and detailed textures, and compositions that blur the line between the familiar and the surreal, ordinary landscapes are turned into moments of contemplation on memory and existence. These photographs are not an expression of nostalgia. They are a quiet tribute to everything that still remains: the resilience of nature, the dignity of impermanence, and the essence of things that refuse to disappear. Perhaps the oldest things in this world awaken in us the strangest sense of wonder. For this series, the artist visited and photographed Beomeosa Temple, Haeundae and Jagalchi in Busan.3c:T7c3,Figure reconnue à l’international de la direction de marque et des arts visuels, Jason Kim (Kim Daehwan) puise son inspiration dans la contemplation du monde sous sa forme la plus fondamentale. Son parcours artistique commence par une quête silencieuse de l’essentiel. Une fois les couches retirées une à une, il ne reste que l’irréductible : la nature durable des choses, les traces du temps et des couleurs profondément enracinées dans la terre. Ce parcours ramène à Busan, la ville portuaire coréenne qui a vu naître et grandir l’artiste. Au-delà de la ligne d’horizon sans cesse changeante de la ville existent des fragments d’éternité plus paisibles : les toits patinés de temples anciens, les rochers du littoral sculptés par le vent et les vagues au fil des siècles, et les oiseaux de mer présents sur les mêmes plages depuis l’enfance de l’artiste. Pour Jason Kim, ce ne sont pas de simples paysages. Ce sont des « survivants silencieux du temps », qui témoignent d’un monde ayant perduré au-delà de l’intervention humaine et qui conservent une beauté muette et une pureté originelle. Plutôt que de simplement documenter ces lieux, l’artiste cherche à recueillir le temps qu’ils renferment. Par des couleurs sobres mais évocatrices, des textures complexes et minutieuses, et des compositions qui brouillent la frontière entre le familier et le surréel, des paysages ordinaires deviennent des moments de méditation sur la mémoire et l’existence. Ces photographies ne sont pas l’expression d’une nostalgie. Elles sont un hommage silencieux à tout ce qui demeure encore : la résilience de la nature, la dignité de l’impermanence, et l’essence des choses qui refusent de disparaître. Peut-être les choses les plus anciennes de ce monde éveillent-elles en nous l’émerveillement le plus étrange. Pour cette série, l’artiste a parcouru Busan et photographié le temple Beomeosa, Haeundae et Jagalchi.3d:T476,« The Way Forward » est une photographie en noir et blanc prise par Ilan Derech en 2020. Vue de face et de très bas, une ruelle étroite porte une flèche peinte en blanc et les quatre caractères coréens « 일방통행 » (« sens unique »). Banderoles et enseignes se pressent des deux côtés, et le fond est barré par une structure enveloppée d’échafaudages. C’est l’une de ces ruelles coréennes qui attirent l’artiste, et son titre se lit avec la flèche tracée au sol. Par l’amour, la Corée est devenue une part de la vie de l’artiste. Photographier la Corée est aussi une manière de se rapprocher de lieux profondément imprégnés de l’histoire de sa femme. Les coins tranquilles de la Corée attirent l’artiste : petits restaurants, ruelles vides, vieux toits, marchés. Il y a quelque chose de tendre dans ces scènes ordinaires. À travers ces scènes, l’artiste construit peu à peu sa propre relation avec la Corée. En recueillant des instants qui semblent familiers dès la première rencontre, l’artiste laisse le pays natal d’une autre personne devenir peu à peu une part de soi-même.f:["$","$L18",null,{"works":[{"id":"artwork_mmm_a01","code":"A01","title":{"ko":"Hyper Connecting Ocean","en":"Hyper Connecting Ocean","fr":"Hyper Connecting Ocean"},"year":2023,"image":{"src":"/artworks/A01.webp","dominant":"#2f76a8","accent":"#4bb9e0","alt":{"ko":"푸른 바닷속, 바위 사이에 그물무늬로 감싼 파란 구가 빛나는 컬러 이미지","en":"A colour image of a glowing blue sphere wrapped in a lattice, resting among rocks underwater","fr":"Une image en couleur d'une sphère bleue lumineuse enveloppée d'un treillis, posée parmi les rochers sous l'eau"},"ratio":1,"carouselSrc":"/artworks/800/A01.webp"},"dimensions":"50 x 50 cm","curatorIntent":{"ko":"은 동양의 전일주의적 철학에서 영감을 받아 인간과 자연이 하나로 연결되는 가까운 미래를 제시한다. 작가는 오행의 하나이자 회복력과 의례의 매개인 ‘물’을 출발점으로 삼아, 수면 아래 다시 태어난 가상의 세계를 구축한다. 그 세계에서는 신화적 상상력과 과학적 추측이 뒤섞인다.\n\n이 작품은 메타버스 아트 프로젝트 의 한 순간을 포착한다. 자연과 조화를 이루는 세계에서 인간은 우아하게 살아가고, 인간과 나란히 존재하는 혼종 생명체들이 등장한다. 이 생명체들은 생성형 AI와의 협업을 통해 창조되고 극단적인 기후변화 속에서 진화한 존재로, 우리가 살아가는 현재의 문제를 말하는 동시에 미래의 흔적을 간직하고 있다.\n\n궁극적으로 작품은 관조와 사유의 공간을 열어, 우리의 기원과 자연 안에서 인간이 차지하는 자리를 성찰하도록 초대한다.","en":"“Hyper Connecting Ocean” draws on the holistic philosophy of the East to propose a near future in which humans and nature are joined as one. Taking as its starting point water — one of the Five Elements and a medium of resilience and ritual — the artist builds a virtual world reborn beneath the surface, where mythical imagination and scientific speculation intermingle.\n\nThe work captures a single moment from the metaverse art project “Hyper Connection”. In a world in harmony with nature, humans live gracefully, and hybrid creatures appear alongside them. Created in collaboration with generative AI and evolved through extreme climate change, these beings speak to the problems of the present we live in while carrying traces of the future.\n\nUltimately, the work opens a space for contemplation and reflection, inviting us to consider our origins and the place humanity occupies within nature.","fr":"« Hyper Connecting Ocean » s’inspire de la philosophie holistique de l’Orient pour proposer un futur proche où l’humain et la nature ne font plus qu’un. Partant de l’eau — l’un des cinq éléments et un vecteur de résilience et de rituel —, l’artiste construit un monde virtuel renaissant sous la surface, où se mêlent imagination mythique et spéculation scientifique.\n\nL’œuvre saisit un instant du projet artistique de métavers « Hyper Connection ». Dans un monde en harmonie avec la nature, les humains vivent avec grâce, et des créatures hybrides apparaissent à leurs côtés. Créés en collaboration avec l’IA générative et ayant évolué au fil d’un changement climatique extrême, ces êtres parlent des problèmes du présent que nous vivons tout en portant les traces de l’avenir.\n\nEn définitive, l’œuvre ouvre un espace de contemplation et de réflexion, et nous invite à méditer sur nos origines et sur la place qu’occupe l’humain au sein de la nature."},"description":{"ko":"화면 전체가 청록과 파랑이다. 위쪽에는 일렁이는 수면이 있고 가운데를 아치처럼 휜 바위가 가로지른다. 그 아래 중앙에 격자무늬로 감싼 발광하는 구체가 놓여 있고, 왼쪽에 노란 지느러미의 물고기, 오른쪽 아래에 연보라색 산호 덩어리가 있다. 수면 가까이 작은 사람 형상이 헤엄친다.","en":"The whole frame is turquoise and blue. A rippling water surface fills the top and an arching rock bridge crosses the middle. Below it, at the centre, sits a glowing sphere wrapped in a lattice; a yellow-finned fish is at the left and a pale violet coral mass at the lower right. A small human figure swims near the surface.","fr":"Tout le cadre est turquoise et bleu. Une surface d'eau ondulante occupe le haut, un rocher en arche traverse le milieu. En dessous, au centre, repose une sphère lumineuse enveloppée d'un treillis ; un poisson aux nageoires jaunes à gauche et une masse de corail violet pâle en bas à droite. Une petite figure humaine nage près de la surface."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":{"ko":"C-프린트","en":"C-print","fr":"Tirage C-print"},"description":{"ko":"컬러 인화지에 빛을 쬐어 현상하는 컬러 사진 인화 방식(크로모제닉 프린트)이다.","en":"A chromogenic colour print: colour photographic paper exposed to light and chemically developed.","fr":"Tirage chromogène : papier photographique couleur exposé à la lumière puis développé chimiquement."},"color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_nature","name":{"ko":"자연·풍경","en":"Nature & landscape","fr":"Nature et paysage"},"description":{"ko":"바다·산·나무·모래 같은 자연의 모습과 결을 담은 작품들이다.","en":"Works that picture the forms and textures of nature: sea, mountains, trees, sand.","fr":"Œuvres qui montrent les formes et les textures de la nature : mer, montagnes, arbres, sable."},"color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_water","name":{"ko":"물·바다","en":"Water & sea","fr":"Eau et mer"},"description":{"ko":"흐르거나 고인 물, 바다와 해변이 화면의 중심인 작품들이다.","en":"Works where flowing or still water, the sea or the shore holds the frame.","fr":"Œuvres où l'eau qui coule ou dort, la mer ou le rivage tient le cadre."},"color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_digital","name":{"ko":"디지털·합성","en":"Digital & composite","fr":"Numérique et composite"},"description":{"ko":"컴퓨터 그래픽, 알고리즘, 합성으로 만들거나 다시 짠 이미지들이다.","en":"Images made or reassembled with computer graphics, algorithms or compositing.","fr":"Images créées ou recomposées par infographie, algorithme ou montage."},"color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A02","name":{"ko":"김보슬","en":"Bosul Kim","fr":"Bosul Kim"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"김보슬은 동양 철학과 전일주의적 세계관을 바탕으로 인간과 자연, 생명과 환경의 유기적 연결성을 탐구하는 미디어아티스트이다. AI, XR, 모션캡처, 텔레마틱 퍼포먼스 등 첨단 기술을 융합해 현실과 가상의 경계를 확장하며, 기후변화 이후 인간과 비인간 존재의 새로운 공존 방식과 미래 생태계를 탐구하는 몰입형 작업을 선보이고 있다. 작품은 국내외 주요 미술관과 국제 전시에서 소개되었으며, 현재 서울예술대학교 디지털아트 전공 부교수로 재직하며 연구와 창작 활동을 이어가고 있다.","en":"Bosul Kim is a Seoul-based media artist, director, and educator whose practice explores the organic interconnectedness of humans, nature, and living beings through AI, AR/XR, motion capture, and metaverse-based environments. She studied Experimental Animation at CalArts and has served as a professor at Seoul Institute of the Arts and director of CultureHub Korea. Her work has been presented at the Prague Quadrennial, S.A.T Montréal, and Seoul Arts Center, examining life, sensation, and environment within technological images.","fr":"Bosul Kim est une artiste des médias, réalisatrice et enseignante basée à Séoul. Sa pratique explore les liens organiques entre les êtres humains, la nature et le vivant à travers l’intelligence artificielle, la réalité augmentée et étendue, la capture de mouvement et des environnements fondés sur le métavers. Formée en animation expérimentale au California Institute of the Arts, elle a été professeure au Seoul Institute of the Arts et directrice de CultureHub Korea. Son travail a notamment été présenté à la Quadriennale de Prague, à la Société des arts technologiques de Montréal et au Seoul Arts Center. À travers ses œuvres, elle interroge la vie, la perception et l’environnement au sein des images technologiques."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a02","code":"A02","title":{"ko":"Mushroom of Immortality","en":"Mushroom of Immortality","fr":"Mushroom of Immortality"},"year":2026,"image":{"src":"/artworks/A02.webp","dominant":"#d6ceab","accent":"#aa8a6b","alt":{"ko":"반으로 자른 배와 수저, 꽃자수 비단신으로 사람 모양을 세운 정물 사진","en":"A still life where a halved pear, a spoon and embroidered silk shoes are stacked into a human figure","fr":"Une nature morte où une poire coupée, une cuillère et des chaussons de soie brodés forment une figure humaine"},"ratio":0.7062146892655368,"carouselSrc":"/artworks/800/A02.webp"},"dimensions":"59.4 x 84.1 cm (A1) / 84.1 x 118.9 cm","curatorIntent":{"ko":"<작품 3: Mushroom of Immortality>\n한국의 전통 십장생(十長生)을 현대적으로 재해석하고 뛰어난 한국 고미술품과 결합한 작품군은 전통문화유산과 장식미술을 탐구하는 기회가 되었다. 작가는 자연의 힘과 신비, 시성이 주인공이 되는 세계를 상상한다. 배, 대추, 영지 버섯을 함께 배치한 는 무중력의 경계에 걸린 듯 시간이 정지한 순간을 보여주며, 유머가 깃든 양식을 선보인다. 마치 상상 속 인물의 초상화를 보는 듯한 인상을 준다.","en":"Work 3: “Mushroom of Immortality”\nThis body of work, which reinterprets the traditional Korean Ten Symbols of Longevity (sipjangsaeng) in a contemporary way and combines them with fine Korean antiques, became an opportunity to explore cultural heritage and the decorative arts. The artist imagines a world in which the power and mystery of nature, and its poetry, take the leading role. Arranging a pear, jujubes and a reishi mushroom together, “Mushroom of Immortality” shows a moment in which time seems to stand still, as if suspended at the edge of weightlessness, in a style touched with humour. It gives the impression of looking at the portrait of an imaginary figure.","fr":"Œuvre 3 : « Mushroom of Immortality »\nCet ensemble d’œuvres, qui réinterprète de manière contemporaine les dix symboles traditionnels coréens de longévité (sipjangsaeng) en les associant à de remarquables antiquités coréennes, a été l’occasion d’explorer le patrimoine culturel et les arts décoratifs. L’artiste imagine un monde dont la force et le mystère de la nature, ainsi que sa poésie, sont les héros. En réunissant une poire, des jujubes et un champignon reishi, « Mushroom of Immortality » montre un instant où le temps semble suspendu, comme en équilibre au bord de l’apesanteur, dans un style empreint d’humour. On a l’impression de contempler le portrait d’un personnage imaginaire."},"description":{"ko":"연녹색 천 배경 앞에 사물이 세로로 쌓여 있다. 맨 위에 은행잎과 붉은 대추, 그 옆에 구부러진 줄기에 달린 갈색 영지버섯이 있고, 가운데에는 반으로 자른 배의 흰 단면이 얼굴처럼 놓인다. 가로로 걸친 수저가 팔, 꽃무늬를 수놓은 비단신 두 짝이 다리가 된다.","en":"Objects are stacked vertically against a pale green cloth. At the top are a ginkgo leaf and a red jujube, beside a brown reishi mushroom on a bent stem; in the middle the white cut face of a halved pear reads as a face. A spoon laid across becomes the arms, and two flower-embroidered silk shoes the legs.","fr":"Des objets sont empilés verticalement devant un tissu vert pâle. En haut, une feuille de ginkgo et une jujube rouge, à côté d'un champignon reishi brun sur une tige courbée ; au milieu, la chair blanche d'une poire coupée tient lieu de visage. Une cuillère posée en travers forme les bras, et deux chaussons de soie brodés de fleurs les jambes."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_still_life","name":{"ko":"정물·구성","en":"Still life & assemblage","fr":"Nature morte et assemblage"},"description":{"ko":"사물과 종이, 꽃을 모으고 쌓아 한 장면으로 꾸민 작품들이다.","en":"Works that gather and stack objects, paper and flowers into a staged scene.","fr":"Œuvres qui rassemblent et empilent objets, papiers et fleurs en une scène composée."},"color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_korean_motif","name":{"ko":"한국적 형상·전통","en":"Korean motifs & tradition","fr":"Motifs coréens et tradition"},"description":{"ko":"한옥, 기와, 단청, 백자, 은수저처럼 한국의 전통 사물과 형상을 끌어온 작품들이다.","en":"Works drawing on traditional Korean objects and forms: hanok, roof tiles, dancheong, white porcelain, silver spoons.","fr":"Œuvres puisant dans les objets et formes traditionnels coréens : hanok, tuiles, dancheong, porcelaine blanche, cuillères d'argent."},"color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A03","name":{"ko":"정창기","en":"ChangKi CHUNG","fr":"ChangKi CHUNG"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"정창기는 한국 출신의 사진가로, 서울 중앙대학교에서 순수사진을, 도쿄비주얼아트에서 상업사진을 공부했다. 아모레퍼시픽과 제일기획 등 주요 한국 기업의 광고 및 패션사진 분야에서 경력을 시작했으며, 1990년 대한민국 대통령의 공식 사진가로도 활동했다. 이후 서울예술대학교와 상명대학교에서 순수사진을 가르쳤다.\n\n그의 작품은 동강사진박물관과 한미사진미술관 등 한국의 주요 미술관에 소장되어 있으며, 파리와 서울, 부산, 마이애미의 갤러리 및 국제 아트페어, 프랑스 루아르 계곡의 고성 등 다양한 공간에서 전시되었다. 또한 1년 넘게 프랑스 일간지 《르몽드(Le Monde)》와 협업하여, 현대적인 예술적 접근과 정물사진의 관습을 유머러스하게 변주한 사진을 매주 발표했다.\n\n2011년부터 파리에 거주하며 활동 중인 정창기는 자연광을 활용해 과일, 채소, 꽃, 빵 등 일상의 대상을 시적이고 우아하며 유머러스한 정물 이미지로 승화시킨다. 그의 작품은 균형과 긴장을 섬세하게 포착하면서 평범한 사물의 새로운 아름다움을 드러낸다.","en":"Changki Chung is a Korean photographer based in France. Trained in Korea and Japan, he began his career in advertising and fashion photography for major Korean companies such as Amore Pacific and Cheil Communications, and served as an official photographer for the President of Korea in 1990. He later developed still-life works that transform fruits, vegetables, flowers, and bread into delicate studies of balance and tension. His works are included in the collections of DongGang Museum of Photography and Museum Hanmi.","fr":"Changki Chung est un photographe coréen installé en France. Formé en Corée et au Japon, il débute sa carrière dans la photographie publicitaire et de mode pour de grandes entreprises coréennes telles qu’Amore Pacific et Cheil Communications. En 1990, il devient photographe officiel du président de la République de Corée. Il développe ensuite des natures mortes dans lesquelles fruits, légumes, fleurs et pains se transforment en délicates études d’équilibre et de tension. Ses œuvres figurent dans les collections du DongGang Museum of Photography et du Museum Hanmi."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[{"id":"artwork_mmm_a04","code":"A04","title":{"ko":"Fairy tale, Série Couture gardens","en":"Fairy tale, Série Couture gardens","fr":"Fairy tale, Série Couture gardens"},"artistName":"$f:props:works:1:artist:name","year":2017,"image":{"src":"/artworks/A04.webp","dominant":"#dce0e6","accent":"#3e2c1d","alt":{"ko":"금빛 금속 잎과 꽃, 작은 새가 이끼 위 받침대에 모여 있는 화려한 컬러 정물","en":"An ornate colour still life where gilded metal leaves, flowers and a small bird gather on a stand set in moss","fr":"Une nature morte en couleur où des feuilles métalliques dorées, des fleurs et un petit oiseau se rassemblent sur un socle posé dans la mousse"}}}]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a04","code":"A04","title":"$f:props:works:1:artist:otherWorks:0:title","year":2017,"image":{"src":"/artworks/A04.webp","dominant":"#dce0e6","accent":"#3e2c1d","alt":"$f:props:works:1:artist:otherWorks:0:image:alt","ratio":0.7142857142857143,"carouselSrc":"/artworks/800/A04.webp"},"dimensions":"59.4 x 84.1 cm (A1) / 84.1 x 118.9 cm","curatorIntent":{"ko":"<작품 2: Fairy Tale>\n고전주의, 환상, 이국적 취향이 뒤섞인 나폴레옹 3세 시대 프랑스의 생활 미학(art de vivre)에 매혹된 작가는 이러한 유리 돔들을 수집하기 시작했다. 수집의 여정은 작가 자신의 시각 언어를 새로 상상하고, 가상의 정원과 연극적인 장면을 구성하도록 이끌었다. 작가가 수집한 유리 돔과 함께 촬영한 각각의 사진은 자연에 관한 환상적인 비전을 기념한다. 그 자연은 우아하고 친밀하며, 조금은 엉뚱하고 색채로 가득하다.","en":"Work 2: “Fairy Tale”\nFascinated by the French art de vivre of the Napoleon III era, with its blend of classicism, fantasy and taste for the exotic, the artist began collecting these glass domes. The collecting journey led the artist to reimagine a personal visual language and to compose imaginary gardens and theatrical scenes. Each photograph, taken with the glass domes from this collection, celebrates a fantastical vision of nature — a nature that is elegant and intimate, a little whimsical, and full of colour.","fr":"Œuvre 2 : « Fairy Tale »\nL’art de vivre français du Second Empire, sous Napoléon III, mêlant classicisme, fantaisie et goût de l’exotisme, a fasciné l’artiste, qui a commencé à collectionner ces globes de verre. Ce parcours de collectionneur a conduit l’artiste à réinventer son propre langage visuel et à composer des jardins imaginaires et des scènes théâtrales. Chaque photographie, prise avec les globes de verre de cette collection, célèbre une vision féerique de la nature — une nature élégante et intime, un brin fantasque et pleine de couleurs."},"description":{"ko":"얼룩진 흰 벽 앞, 바닥은 초록 이끼로 덮여 있다. 가운데 금빛 받침대 위에 붉은 쿠션과 자주색 맨드라미가 놓이고 그 위 기둥에 작은 새 한 마리가 앉아 있다. 주위로 주황색 라넌큘러스, 파란 엉겅퀴, 초록 깃털, 흰 콜리플라워와 금색 금속 잎·거울 조각이 뻗어 있고, 바닥에는 아티초크와 붉은 고추, 흰 나비가 흩어져 있다.","en":"A mottled white wall stands behind a floor covered in green moss. At the centre a gilded stand holds a red cushion and a magenta celosia, with a small bird perched on a post above it. Orange ranunculus, blue thistle, a green feather, a white cauliflower and gilded metal leaves and mirror shards spread outward, while an artichoke, a red chilli and a white butterfly lie on the moss.","fr":"Un mur blanc marbré se dresse derrière un sol couvert de mousse verte. Au centre, un socle doré porte un coussin rouge et une célosie magenta, surmontés d'un petit oiseau perché. Des renoncules orange, un chardon bleu, une plume verte, un chou-fleur blanc, des feuilles métalliques dorées et des éclats de miroir s'étendent alentour ; un artichaut, un piment rouge et un papillon blanc reposent sur la mousse."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_still_life","name":"$f:props:works:1:themes:0:name","description":"$f:props:works:1:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A03","name":"$f:props:works:1:artist:name","birthYear":"$undefined","nationality":"$f:props:works:1:artist:nationality","bio":"$f:props:works:1:artist:bio","practice":"$f:props:works:1:artist:practice","collaborations":[],"otherWorks":[{"id":"artwork_mmm_a02","code":"A02","title":"$f:props:works:1:title","artistName":"$f:props:works:1:artist:name","year":2026,"image":{"src":"/artworks/A02.webp","dominant":"#d6ceab","accent":"#aa8a6b","alt":"$f:props:works:1:image:alt"}}]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a05","code":"A05","title":{"ko":"Flattened Roughness #You Can't Run From...","en":"Flattened Roughness #You Can't Run From...","fr":"Flattened Roughness #You Can't Run From..."},"year":2025,"image":{"src":"/artworks/A05.webp","dominant":"#7d6b5f","accent":"#a38f82","alt":{"ko":"세로로 흘러내린 검녹색 자국 사이로 사람 얼굴이 희미하게 비치는 세로 이미지","en":"A tall image where a face shows faintly through dark olive streaks running down the surface","fr":"Une image verticale où un visage transparaît faiblement derrière des coulées vert olive sombres"},"ratio":0.5621135469364812,"carouselSrc":"/artworks/800/A05.webp"},"dimensions":"51 x 90 cm","curatorIntent":{"ko":"는 전쟁 이미지의 소비와 그로 인해 생겨나는 죄책감을 탐구한다. 작가는 죽음의 이미지를 모아 인쇄하고, 그것을 혀로 핥고 신체적으로 흡수하는 수행적 행위를 통해 미디어가 만들어낸 감정적·물리적 거리와 대면한다.\n\n자폭 드론의 카메라는 사람을 파괴하기 위해 끊임없이 대상까지의 거리를 계산한다. 그러는 동안 사람과 사람 사이의 거리는 망각된다. 작가는 이러한 거리를 극복하고자 이미지를 자신의 몸 안으로 들여온다. 친밀함과 잔혹함이 공존하는 이 행위는 관음적인 이미지 소비를 애도와 돌봄으로 바꾸고, 상실된 인간성에 맞서게 한다.\n\n감각에 호소하는 퍼포먼스를 통해 작가는 자신과 미디어를 통해 접한 죽음 사이의 간극을 좁히고, 무뎌진 감정과 신체 감각의 충돌을 탐색한다. 고백적이며 신체적으로 소모적인 이 작업은 훼손된 인간성을 회복하기 위한 다른 감각적 접근법을 모색한다.","en":"“Flattened Roughness” explores the consumption of images of war and the guilt it produces. The artist gathers and prints images of death, then confronts the emotional and physical distance created by the media through a performative act of licking them and physically absorbing them.\n\nThe camera of a suicide drone constantly calculates its distance to the target in order to destroy people. Meanwhile, the distance between one person and another is forgotten. To overcome this distance, the artist takes the images into their own body. In this act, where intimacy and cruelty coexist, the voyeuristic consumption of images is turned into mourning and care, confronting a lost humanity.\n\nThrough a performance that appeals to the senses, the artist narrows the gap between themself and the deaths encountered through the media, and explores the collision between numbed emotions and bodily sensation. Confessional and physically exhausting, this work seeks another, sensory approach to restoring a damaged humanity.","fr":"$19"},"description":{"ko":"위아래로 길쭉한 화면을 올리브색과 검정, 회색의 세로 자국이 빽빽하게 덮는다. 자국 사이로 분홍빛 살결과 붉은 색이 번져 나와 사람의 얼굴과 몸이 어렴풋이 드러나지만 윤곽은 끝까지 또렷해지지 않는다. 전체는 어둡고 탁하며 초점이 맞는 지점이 없다.","en":"Dense vertical streaks of olive, black and grey cover a tall, narrow frame. Pink skin tones and patches of red bleed through the gaps so that a face and body emerge faintly, though the outlines never resolve. The whole surface stays dark and clouded, with no point in sharp focus.","fr":"D'épaisses traînées verticales olive, noires et grises recouvrent un cadre haut et étroit. Des carnations roses et des taches rouges transparaissent entre elles, laissant deviner un visage et un corps dont les contours ne se précisent jamais. L'ensemble reste sombre et trouble, sans point net."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_pigment_print","name":{"ko":"피그먼트 프린트","en":"Pigment print","fr":"Tirage pigmentaire"},"description":{"ko":"안료 잉크를 종이에 분사해 만든 프린트다.","en":"A print made with pigment-based inks sprayed onto paper.","fr":"Tirage réalisé avec des encres pigmentaires projetées sur papier."},"color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_trace","name":{"ko":"자국·사라짐","en":"Marks & absence","fr":"Marques et absence"},"description":{"ko":"무언가 지나가고 남은 자국, 비어 있는 자리, 또렷해지지 않는 형상을 다룬 작품들이다.","en":"Works about the marks something leaves behind, empty places, and forms that never come into focus.","fr":"Œuvres sur les marques laissées par ce qui passe, les lieux vides et les formes qui ne se précisent jamais."},"color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A05","name":{"ko":"김도영","en":"Doyoung Kim","fr":"Doyoung Kim"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"김도영은 전쟁 이미지의 소비와 그로부터 발생하는 죄책감, 감각의 마비를 다루는 사진 기반 작가이다. 대표 작업 에서 그는 죽음의 이미지를 수집하고 인쇄한 뒤, 그것을 핥고 신체적으로 흡수하는 수행적 행위를 통해 미디어가 만든 감정적·물리적 거리와 마주한다. 자살 드론의 카메라가 인간과의 거리를 계산하는 동안, 인간 사이의 거리는 망각된다. 작가는 이 거리를 자신의 몸 안으로 끌어들이며, 관음적 소비를 애도와 돌봄의 행위로 전환한다. 이 작업은 둔화된 감정과 신체 감각의 충돌을 통해 훼손된 인간성의 회복 가능성을 탐색한다.","en":"Doyoung Kim is a photography-based artist whose work examines the consumption of war images, guilt, and the numbing of sensation. In “Flattened Roughness”, the artist collects and prints images of death, then licks and physically absorbs them, confronting the emotional and physical distance created by media. While suicide drones’ cameras calculate distance to humans for destruction, the distance between human beings is forgotten. By bringing mediated death into the body, the work transforms voyeurism into mourning and care. Through this sensory and physically exhausting performance, Kim explores the clash between dulled emotion and bodily sensation, seeking alternative paths toward the recovery of damaged humanity.","fr":"Doyoung Kim est un artiste travaillant à partir de la photographie dont l'œuvre examine la consommation d'images de guerre, la culpabilité et l'engourdissement des sens. Dans « Flattened Roughness », l'artiste rassemble et imprime des images de mort, puis les lèche et les absorbe physiquement, se confrontant ainsi à la distance émotionnelle et physique engendrée par les médias. Alors que les caméras des drones suicides calculent la distance qui les sépare des humains à des fins de destruction, la distance entre les êtres humains est, quant à elle, oubliée. En intégrant la mort médiatisée à son propre corps, l'œuvre transforme le voyeurisme en acte de deuil et de soin. À travers cette performance sensorielle et physiquement épuisante, Kim explore la confrontation entre des émotions atrophiées et la sensation corporelle, en quête de voies alternatives pour restaurer une humanité blessée."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a06","code":"A06","title":{"ko":"Frozen Fire #201 - Mount Wardle, Vermilion Crossing, Kootenay National Park, British Columbia The Canadian Rocky Mountains","en":"Frozen Fire #201 - Mount Wardle, Vermilion Crossing, Kootenay National Park, British Columbia The Canadian Rocky Mountains","fr":"Frozen Fire #201 - Mount Wardle, Vermilion Crossing, Kootenay National Park, British Columbia The Canadian Rocky Mountains"},"year":2026,"image":{"src":"/artworks/A06.webp","dominant":"#929292","accent":"#cacaca","alt":{"ko":"흰 눈과 검은 선만으로 이루어진 흑백 화면이다.","en":"A black-and-white image made up only of white snow and black lines","fr":"Une image en noir et blanc composée uniquement de neige blanche et de lignes noires"},"ratio":1.273,"carouselSrc":"/artworks/800/A06.webp"},"dimensions":"62 x 76 cm","curatorIntent":{"ko":"$1a","en":"$1b","fr":"$1c"},"description":{"ko":"흰 눈과 검은 선만으로 이루어진 흑백 화면이다. 가느다란 탄 나무 줄기 수천 개가 비탈 전체에 세로로 서 있고, 서로 기울어 교차하며 그물 같은 결을 만든다. 하늘도 지평선도 보이지 않고 비탈면 하나가 화면을 가득 채우며, 아래쪽에 살아남은 작은 침엽수 몇 그루가 짙게 보인다.","en":"The frame is made of white snow and black lines alone. Thousands of thin burnt trunks stand upright across the slope, leaning and crossing into a net-like grain. No sky or horizon appears — a single hillside fills the picture — and a few surviving conifers show darker near the bottom.","fr":"Le cadre n'est fait que de neige blanche et de lignes noires. Des milliers de troncs brûlés et fins se dressent sur la pente, s'inclinant et se croisant en un grain de filet. Ni ciel ni horizon : un seul versant remplit l'image, et quelques conifères survivants se détachent plus sombres en bas."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_photogravure_hanji","name":{"ko":"한지 포토그라뷔르","en":"Photogravure on hanji paper","fr":"Photogravure sur papier hanji"},"description":{"ko":"사진 이미지를 새긴 동판에 잉크를 묻혀 한지에 찍어 낸 판화다.","en":"An intaglio print: a photographic image etched into a copper plate, inked and pressed onto hanji (Korean mulberry paper).","fr":"Estampe en creux : image photographique gravée sur plaque de cuivre, encrée et imprimée sur hanji (papier coréen de mûrier)."},"color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_nature","name":"$f:props:works:0:themes:0:name","description":"$f:props:works:0:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_trace","name":"$f:props:works:3:themes:0:name","description":"$f:props:works:3:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A06","name":{"ko":"한성필","en":"Han Sungpil","fr":"Han Sungpil"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"$1d","en":"Han Sungpil confronts the themes of globalization, desire, environment, energy production, and humankind's impact on nature. His series is distinguished by its surprising perspective, which goes beyond the visual vocabulary normally found in landscape photography and environmental documentation, leaving the viewer speechless.","fr":"Han Sungpil confronte les thèmes de la mondialisation, du désir, de l'environnement, de la production d'énergie et de l'impact de l'humanité sur la nature. Sa série se distingue par une perspective surprenante qui dépasse le vocabulaire visuel propre à la photographie de paysage et à la documentation environnementale, laissant le spectateur sans voix."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[{"id":"artwork_mmm_a07","code":"A07","title":{"ko":"Holy City","en":"Holy City","fr":"Holy City"},"artistName":"$f:props:works:4:artist:name","year":2012,"image":{"src":"/artworks/A07.webp","dominant":"#4976c7","accent":"#4976c7","alt":{"ko":"푸른 새벽빛 도시에 타워크레인이 선 고층 아파트와 네온 십자가가 보이는 컬러 사진","en":"A colour photograph of high-rise towers under tower cranes at blue hour, with a neon cross glowing at the left","fr":"Une photographie en couleur de tours en construction à l'heure bleue, une croix au néon brillant à gauche"}}},{"id":"artwork_mmm_a08","code":"A08","title":{"ko":"Lego Brick Village","en":"Lego Brick Village","fr":"Lego Brick Village"},"artistName":"$f:props:works:4:artist:name","year":2012,"image":{"src":"/artworks/A08.webp","dominant":"#8e8f9a","accent":"#494b82","alt":{"ko":"비탈에 알록달록한 집과 파란 물탱크가 빽빽이 들어찬 해 질 녘 마을 컬러 사진","en":"A colour photograph of a hillside town packed with colourful houses and blue rooftop water tanks at dusk","fr":"Une photographie en couleur d'un village à flanc de colline, serré de maisons colorées et de citernes bleues sur les toits, au crépuscule"}}}]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a07","code":"A07","title":"$f:props:works:4:artist:otherWorks:0:title","year":2012,"image":{"src":"/artworks/A07.webp","dominant":"#4976c7","accent":"#4976c7","alt":"$f:props:works:4:artist:otherWorks:0:image:alt","ratio":1.293,"carouselSrc":"/artworks/800/A07.webp"},"dimensions":"178 x 250 cm / 59 x 42cm (A2) / 122 x 171 cm","curatorIntent":{"ko":"$1e","en":"$1f","fr":"$20"},"description":{"ko":"화면 전체가 푸른빛과 청록빛으로 물든 새벽 또는 저녁 도시다. 고층 아파트 여러 동이 가운데부터 오른쪽까지 늘어서 있고, 그중 둘은 아직 공사 중이라 타워크레인 두 대가 위로 솟아 있다. 왼쪽 중간에 흰 네온 십자가가 밝게 켜져 있고, 아래쪽 거리에는 주황색 가로등이 점점이 이어진다.","en":"The whole city is washed in blue and teal, at dawn or dusk. Rows of residential towers run from the centre to the right edge; two are still unfinished, with tower cranes rising above them. A white neon cross glows at the middle left, and orange street lamps dot the road along the bottom.","fr":"Toute la ville baigne dans le bleu et le turquoise, à l'aube ou au crépuscule. Des rangées de tours d'habitation s'étendent du centre vers la droite ; deux sont encore en chantier, surmontées de grues. Une croix au néon blanche brille à mi-hauteur à gauche, et des lampadaires orange ponctuent la rue en bas."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_archival_pigment_print","name":{"ko":"아카이벌 피그먼트 프린트","en":"Archival pigment print","fr":"Tirage pigmentaire d'archive"},"description":{"ko":"안료 잉크를 보존용 종이에 분사해 만든 프린트로, 색이 오래 바래지 않는다.","en":"A print made by spraying pigment-based inks onto archival paper; the colours resist fading.","fr":"Tirage réalisé par projection d'encres pigmentaires sur papier d'archive ; les couleurs résistent à la décoloration."},"color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_city","name":{"ko":"도시·건축","en":"City & architecture","fr":"Ville et architecture"},"description":{"ko":"아파트, 골목, 학교, 마을처럼 사람이 지은 공간을 찍은 작품들이다.","en":"Works photographing built spaces: apartment blocks, alleys, a school, a hillside village.","fr":"Œuvres photographiant des espaces construits : immeubles, ruelles, une école, un village à flanc de colline."},"color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A06","name":"$f:props:works:4:artist:name","birthYear":"$undefined","nationality":"$f:props:works:4:artist:nationality","bio":"$f:props:works:4:artist:bio","practice":"$f:props:works:4:artist:practice","collaborations":[],"otherWorks":[{"id":"artwork_mmm_a06","code":"A06","title":"$f:props:works:4:title","artistName":"$f:props:works:4:artist:name","year":2026,"image":{"src":"/artworks/A06.webp","dominant":"#929292","accent":"#cacaca","alt":"$f:props:works:4:image:alt"}},{"id":"artwork_mmm_a08","code":"A08","title":"$f:props:works:4:artist:otherWorks:1:title","artistName":"$f:props:works:4:artist:name","year":2012,"image":{"src":"/artworks/A08.webp","dominant":"#8e8f9a","accent":"#494b82","alt":"$f:props:works:4:artist:otherWorks:1:image:alt"}}]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a08","code":"A08","title":"$f:props:works:4:artist:otherWorks:1:title","year":2012,"image":{"src":"/artworks/A08.webp","dominant":"#8e8f9a","accent":"#494b82","alt":"$f:props:works:4:artist:otherWorks:1:image:alt","ratio":1.338,"carouselSrc":"/artworks/800/A08.webp"},"dimensions":"178 x 250 cm / 59 x 42cm (A2) / 122 x 171 cm","curatorIntent":{"ko":"$21","en":"$22","fr":"$23"},"description":{"ko":"보랏빛 저녁 하늘 아래 초록 숲이 덮인 산이 있고, 그 비탈 전체에 낮은 집들이 빈틈없이 들어차 있다. 집들은 분홍·하늘색·주황·흰색으로 칠해져 있고 옥상마다 파란 물탱크가 올라가 있다. 창문과 가로등에 노란 불이 하나씩 켜지기 시작했고, 아래쪽으로 내려올수록 건물이 크게 보인다.","en":"A green wooded mountain sits under a violet evening sky, and low houses fill the slope beneath it without a gap. They are painted pink, pale blue, orange and white, and nearly every roof carries a blue water tank. Yellow lights are coming on in windows and street lamps, and the buildings grow larger towards the bottom of the frame.","fr":"Une montagne boisée verte se découpe sous un ciel du soir violet, et des maisons basses couvrent la pente sans laisser d'interstice. Elles sont peintes en rose, bleu pâle, orange et blanc, et presque chaque toit porte une citerne bleue. Des lumières jaunes s'allument aux fenêtres et aux lampadaires, et les bâtiments grandissent vers le bas du cadre."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_archival_pigment_print","name":"$f:props:works:5:medium:name","description":"$f:props:works:5:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_city","name":"$f:props:works:5:themes:0:name","description":"$f:props:works:5:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A06","name":"$f:props:works:4:artist:name","birthYear":"$undefined","nationality":"$f:props:works:4:artist:nationality","bio":"$f:props:works:4:artist:bio","practice":"$f:props:works:4:artist:practice","collaborations":[],"otherWorks":[{"id":"artwork_mmm_a06","code":"A06","title":"$f:props:works:4:title","artistName":"$f:props:works:4:artist:name","year":2026,"image":{"src":"/artworks/A06.webp","dominant":"#929292","accent":"#cacaca","alt":"$f:props:works:4:image:alt"}},{"id":"artwork_mmm_a07","code":"A07","title":"$f:props:works:4:artist:otherWorks:0:title","artistName":"$f:props:works:4:artist:name","year":2012,"image":{"src":"/artworks/A07.webp","dominant":"#4976c7","accent":"#4976c7","alt":"$f:props:works:4:artist:otherWorks:0:image:alt"}}]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a09","code":"A09","title":{"ko":"Media 樂 : 闕(궐), 꿈꾸는 桃源鄕(도원향)","en":"Media Delight : Heavenly Paradise","fr":"Media Delight : Heavenly Paradise"},"year":2021,"image":{"src":"/artworks/A09.webp","dominant":"#020101","accent":"#b8ab8c","alt":{"ko":"단청, 기와지붕, 백자, 연꽃 무늬가 가로 띠로 층층이 쌓인 컬러 이미지","en":"A colour image stacking horizontal bands of painted temple patterns, tiled roofs, white porcelain and lotus motifs","fr":"Une image en couleur empilant des bandes horizontales de motifs peints, de toits de tuiles, de porcelaine blanche et de lotus"},"ratio":0.6090133982947625,"carouselSrc":"/artworks/800/A09.webp"},"dimensions":"50 x 80 cm","curatorIntent":{"ko":"은 조선의 3대 궁이라 여겨지는 경복궁, 덕수궁, 창덕궁의 시시각각 변화하는 4계절의 아름다움을 담는다. 그 안에 숨겨져 있는 우리의 전통적 가치와, 무심히 지나쳐 보이지 않았던 아름다운 문화적 상징 기호들을 찾아내 디지털 미디어로 재구성한다. 이로써 문화재 안에 표현된 풍요(豐饒)와 길상(吉祥)의 코드들을 자연스럽게 일깨우고, 한국인으로서의 자존감과 아시아의 사회구성원으로서 사람에 대한 관심과 애정을 회복한다. \n\n구성\n강인함과 권위를 담고 있는 경복궁  인왕산에 둘러싸인 조선왕조의 법궁, 경복궁의 겨울과 봄. 근정전, 근정문, 흥례문, 우직하고 웅장한 위용의 광화문. 아름다운 자경전 담벼락의 기하학적 문양들의 조화로움과 분청사기의 현대적인 문양으로 재구성된 금천교.  자연과 여성스러운 부드러움의 창덕궁\n희정당 중첩된 기와와 단청의 미, 애련지, 애련정의 겨울과 봄. 부용지의 연꽃과 주합루에서 바라본 부용지와 용(군주), 왕실의 다복과 다산을 기원하는 모란과 나비.\n\n근현대를 품고있는 중성적인 아름다움 덕수궁\n여름과 가을의 덕수궁. 우리나라에 유일하게 남아있는 2층 건축물인 석어당 담벼락 기와와 쪽문의 중첩미, 두건물이 연결되어 있는 준명당과 즉조당의 비례와 소박한 아름다움의 조화로움, 근대 건축물인 석조전과 대한제국의 상징인 오얏꽃.\n\n피날레\n나라의 복을 기원하는 길상문양, 조선의 도덕적 윤리를 상징하는 백자와 효제문자도, 일월오봉도로 표현되는 과거와 현재의 시공간을 뛰어넘는 서울 찬란함.","en":"$24","fr":"$25"},"description":{"ko":"세로로 긴 화면이 여덟 개의 가로 띠로 나뉘어 있다. 맨 위는 초록·빨강의 단청 무늬이고, 그 아래로 눈 덮인 기와지붕, 검은 바탕에 흰 공작과 정자, 초록 나무 사이의 궁궐 문, 붉은 단풍과 서양식 기둥 건물이 차례로 놓인다. 아래쪽 띠에는 글자가 그려진 백자 여덟 점이 한 줄로 서 있고, 그 밑에 분홍 연꽃과 흰 학이 반복되는 무늬, 맨 아래에 파란 산과 물결이 그려진 민화풍 그림이 이어진다.","en":"A tall frame is divided into eight horizontal bands. The top is green and red dancheong patterning; below it follow snow-covered tiled roofs, white peacocks and pavilions on black, a palace gate among green trees, and a columned Western-style building with red maple. A lower band lines up eight white porcelain vessels marked with characters, beneath which a repeating pattern of pink lotuses and white cranes runs, and at the very bottom a folk-painting landscape of blue mountains and waves.","fr":"Un cadre vertical est divisé en huit bandes horizontales. En haut, des motifs dancheong verts et rouges ; viennent ensuite des toits de tuiles enneigés, des paons blancs et des pavillons sur fond noir, une porte de palais entre des arbres verts, puis un bâtiment à colonnes de style occidental avec des érables rouges. Une bande inférieure aligne huit porcelaines blanches portant des caractères ; en dessous se répètent des lotus roses et des grues blanches, et tout en bas un paysage de style folklorique aux montagnes bleues et aux vagues."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_digital","name":"$f:props:works:0:themes:2:name","description":"$f:props:works:0:themes:2:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_korean_motif","name":"$f:props:works:1:themes:1:name","description":"$f:props:works:1:themes:1:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A07","name":{"ko":"김혜경","en":"Hyegyung Kim","fr":"Hyegyung Kim"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"$26","en":"Hyegyung Kim reinterprets traditional Korean and East Asian visual motifs through digital media art. Her work transforms symbols of auspiciousness, fortune, prosperity, and longevity into contemporary compositions using digital technology. Porcelain, antique wooden furniture, landscape painting, and temple imagery become expanded environments through projection mapping, interactive media, light, and sound. She has participated in projects including the 2017 Cheongju International Craft Biennale and the 2020 Seoul Foundation for Arts and Culture media art event, and received the 2016 Red Dot Design Award.","fr":"Hyegyung Kim réinterprète les motifs visuels traditionnels coréens et est-asiatiques à travers l’art numérique. À l’aide des technologies digitales, elle transforme des symboles associés à la chance, à la prospérité et à la longévité en compositions contemporaines. La porcelaine, le mobilier ancien en bois, la peinture de paysage et l’imagerie des temples se déploient ainsi dans des environnements immersifs mêlant projection mapping, dispositifs interactifs, lumière et son. Elle a notamment participé à la Biennale internationale des métiers d’art de Cheongju en 2017 ainsi qu’à un événement consacré à l’art numérique organisé par la Seoul Foundation for Arts and Culture en 2020. Elle a également reçu le Red Dot Design Award en 2016."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a10","code":"A10","title":{"ko":"두번째 낙원-10","en":"The Second Paradise-10","fr":"The Second Paradise-10"},"year":2002,"image":{"src":"/artworks/A10.webp","dominant":"#17171e","accent":"#d9a441","alt":{"ko":"마른 풀밭에 군복 입은 두 사람이 엎드려 누워 있고 금색 동상이 서 있는 컬러 사진","en":"A colour photograph of two people in camouflage lying face down on dry grass, with a gold statue standing nearby","fr":"Une photographie en couleur de deux personnes en treillis allongées sur l'herbe sèche, près d'une statue dorée"},"ratio":1.285,"carouselSrc":"/artworks/800/A10.webp"},"dimensions":"74 x 60 cm","curatorIntent":{"ko":"2. \n\n언제나 당연한 삶의 논리로 정당화하고, 비판과 긍정마저 값싼 소비의 대상으로 치부할 때마다 마음 깊은 곳에서 일어나는 당혹스러움은, 종종 일상의 표면 아래 감춰지곤 한다. 섬, 제주도는 그렇게 망각되고 있다.\n\n척박한 자연환경과 비극적 역사는 역설적으로 ‘이어도’와 같은 피안의 세계, 현실 너머의 이상향을 꿈꾸게 하였다. 죽음과 절망, 희망과 환상이 뒤섞인 제주도는 파라다이스라는 이름으로 호명된다. 그리고 지금 이곳에 또 하나의 낙원, 상상의 세계가 건설되고 있다. 그 낙원은 누구의 꿈이며, 어떤 근원과 역사가 지워지고 있는가. 은 현실의 고통과 결핍으로부터 탄생한 이상향이 개발과 욕망의 대상으로 변모하는 과정을 바라본다. 낙원을 향한 열망과 그 이면의 망각 사이에서, 우리가 당연하게 받아들여 온 현실과 그 표상이 전하는 오래된 믿음에 의문을 제기한다. (박형근, 2001)","en":"$27","fr":"$28"},"description":{"ko":"해 질 무렵 빛에 마른 풀밭이 주황빛으로 물들어 있다. 앞쪽에는 군복을 입은 사람이 파란 돗자리에 누워있고, 뒤쪽에는 또 한 사람이 나무 평상에 같은 자세로 누워 있다. 왼쪽에는 오륜기가 그려진 큰 바위가, 오른쪽에는 수염 난 노인이 앉은 금색 조각상이 있고 그 사이에 둥근 안테나와 향나무가 서 있다.","en":"Low sunlight turns a field of dry grass orange. In the foreground a person in camouflage lies on a blue mat, and further back a second person lies the same way on a wooden bench. A large rock painted with Olympic rings stands at the left, a gold statue of a seated bearded elder at the right, with a round antenna and a juniper tree between them.","fr":"Une lumière basse teinte d'orange un champ d'herbe sèche. Au premier plan, une personne en treillis est allongée sur une natte bleue ; plus loin, une seconde personne repose de la même façon sur un banc de bois. À gauche, un grand rocher peint d'anneaux olympiques ; à droite, une statue dorée de vieillard assis et barbu ; entre les deux, une antenne ronde et un genévrier."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_nature","name":"$f:props:works:0:themes:0:name","description":"$f:props:works:0:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_korean_motif","name":"$f:props:works:1:themes:1:name","description":"$f:props:works:1:themes:1:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A08","name":{"ko":"박형근","en":"Hyung-Geun Park","fr":"Hyung-Geun Park"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"영국의 런던대학교 골드스미스 컬리지대학원에서 시각미술을 전공 한 후 MA 이미지 앤 커뮤니케이션 석사과정을 마쳤으며, 상명대학교 대학원에서 예술학 박사학위를 취득했다. 1990년 후반부터 지각성, 공생, 기억 등의 문제를 탐구하며 <텐슬리스>, <금단의 숲>, <두만강 프로젝트>, <제주도> 연작 등을 발표했다. 영국 뉴아트갤러리워셜미술관, 이탈리아 파올라멜리가갤러리, 금호미술관, 제주현대미술관, 경기창작센터, 대안공간루프, 뮤지엄한미MoPS 등의 개인전을 비롯하여 제3회 제주비엔날레, 프랑스 포토케비엔날레, 대구사진비엔날레, APAP, 포토페스트비엔날레, 국립현대미술관 등의 국내외 단체전에 참가했다. 2010년 제9회 다음작가상, 2014년 프랑스 자크 시라크 국제사진상, 2022년 제12회 일우사진상을 수상했다. 휴스턴현대미술관(미국), 조지이스트만미술관(미국), 국립케브랑리박물관(프랑스), 국립현대미술관(과천)등에서 작품을 영구 소장하고 있다.\n\n그의 사진에서 풍경은 자연, 기억, 역사가 교차하는 장소이며, 특히 고향 제주를 중심으로 장소에 새겨진 폭력과 역사적 트라우마의 층위를 탐색한다.","en":"HyungGeun Park is a South Korean photographer whose practice examines landscape as a site where nature, memory, and history intersect. Centering on his native Jeju Island, his photographs address the layered relationship between place, violence, and historical trauma. He holds an MA from Goldsmiths College and a Ph.D. from Sangmyung University.\nPark has held solo exhibitions globally, including at the New Art Gallery Walsall (UK), Kumho Museum of Art, and The Museum of Photography, Seoul. His works have been featured in major international exhibitions such as the Jeju Biennale, PHOTOQUAI Biennale, and Houston's Contemporary Arts Museum. He is the recipient of prestigious awards, including the 12th Ilwoo Photo Award, the Musée du Quai Branly Photography Award, and the 9th Daum Prize. His masterpieces are permanently collected by world-renowned institutions, including the Musée du Quai Branly (Paris), George Eastman Museum (NY), and the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA, Korea).","fr":"$29"},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[{"id":"artwork_mmm_a11","code":"A11","title":{"ko":"Overlay-15, Infected","en":"Overlay-15, Infected","fr":"Overlay-15, Infected"},"artistName":"$f:props:works:8:artist:name","year":2020,"image":{"src":"/artworks/A11.webp","dominant":"#890732","accent":"#0565f7","alt":{"ko":"새빨간 열매와 잎이 짙은 파란 하늘을 배경으로 가득 찬 컬러 접사 사진","en":"A colour close-up of scarlet berries and leaves filling the frame against a deep blue sky","fr":"Un gros plan en couleur de baies et de feuilles écarlates emplissant le cadre sur un ciel bleu profond"}}}]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a11","code":"A11","title":"$f:props:works:8:artist:otherWorks:0:title","year":2020,"image":{"src":"/artworks/A11.webp","dominant":"#890732","accent":"#0565f7","alt":"$f:props:works:8:artist:otherWorks:0:image:alt","ratio":1.499,"carouselSrc":"/artworks/800/A11.webp"},"dimensions":"75 x 50 cm","curatorIntent":{"ko":"$2a","en":"$2b","fr":"$2c"},"description":{"ko":"아래에서 올려다본 나뭇가지가 화면을 대각선으로 가로지른다. 잎과 열매 송이가 모두 붉게 물들어 있고, 그 사이로 보이는 하늘은 균일한 짙은 파랑이다. 붉은색과 파란색 두 가지 색만으로 화면이 채워지며, 가운데 굵은 가지만 또렷하고 가장자리 잎은 흐릿하다.","en":"Branches seen from below cross the frame diagonally. Leaves and berry clusters are all rendered red, and the sky behind them is a flat, saturated blue. The picture holds only these two colours; the thick branch at the centre is sharp while the leaves at the edges fall out of focus.","fr":"Des branches vues d'en bas traversent le cadre en diagonale. Feuilles et grappes de baies sont toutes rouges, et le ciel derrière elles d'un bleu uniforme et saturé. L'image ne contient que ces deux couleurs ; la grosse branche centrale est nette tandis que les feuilles des bords se perdent dans le flou."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_nature","name":"$f:props:works:0:themes:0:name","description":"$f:props:works:0:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A08","name":"$f:props:works:8:artist:name","birthYear":"$undefined","nationality":"$f:props:works:8:artist:nationality","bio":"$f:props:works:8:artist:bio","practice":"$f:props:works:8:artist:practice","collaborations":[],"otherWorks":[{"id":"artwork_mmm_a10","code":"A10","title":"$f:props:works:8:title","artistName":"$f:props:works:8:artist:name","year":2002,"image":{"src":"/artworks/A10.webp","dominant":"#17171e","accent":"#d9a441","alt":"$f:props:works:8:image:alt"}}]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a12","code":"A12","title":{"ko":"흔적","en":"Trace","fr":"Trace"},"year":2016,"image":{"src":"/artworks/A12.webp","dominant":"#777777","accent":"#b5b5b5","alt":{"ko":"젖은 모래 위로 검은 물줄기가 깃털처럼 번져 나간 흑백 접사 사진","en":"A black-and-white close-up of dark rivulets spreading like feathers across wet sand","fr":"Un gros plan en noir et blanc de ruisselets sombres s'étalant comme des plumes sur le sable humide"},"ratio":1.5,"carouselSrc":"/artworks/800/A12.webp"},"dimensions":"90 x 60 cm","curatorIntent":{"ko":"<시리즈 1 흔적 (2016)> \n\n모든 존재에는 저마다의 역사가 있다. 존재들은 스스로 움직이거나 다른 힘에 의해 옮겨지고, 자라거나 마모된다. 표면에 남은 흔적은 그렇게 지나온 시간이 쌓인 결과다.\n\n아이슬란드 레이캬비크의 바다에는 화산의 검은 재가 떠다녔다. 파도는 모래를 때리고 차가운 물속으로 끌고 들어갔다. 어떤 모래는 해변에 매달리려는 듯 버텼고, 어떤 모래는 파도에 휩쓸려 사라졌다. 그 모습을 바라보며 작가는 마치 누군가의 머릿속을 들여다보는 듯한 기분을 느꼈다. 삶에 남은 흔적들, 붙잡아 두려는 기억, 예고 없이 밀려와 모든 것을 덮는 시간.\n\n어떤 순간도 온전한 형태로 남을 수는 없으며, 그렇다고 완전히 소멸하는 것도 아니다. 흔적은 흐려지고 흩어지는 동시에 다른 것들과 뒤섞여 새로운 형태로 남는다. 무엇도 완벽하게 보존되지 않고, 무엇도 완전히 사라지지 않는다. 기억과 시간은 끊임없이 모이고 흩어지며 우리가 서 있는 지금을 만든다. 과거와 미래 어느 한쪽으로도 고정되지 않는 끝없는 현재. 레이캬비크의 파도는 그 순환을 눈앞에서 반복하며, 존재와 기억이 머무는 방식을 선명하게 드러내고 있었다.","en":"$2d","fr":"$2e"},"description":{"ko":"위에서 내려다본 젖은 모래밭이 화면을 가득 채운다. 가운데에서 아래로 검은 모래가 깃털이나 나뭇가지처럼 갈라지며 흘러내리고, 위쪽에는 물이 빠지며 생긴 잔물결 자국이 가로로 넓게 퍼져 있다. 흑백이며 사람이나 사물은 보이지 않고 모래의 결만 남는다.","en":"Wet sand seen from directly above fills the frame. Dark sand runs from the centre downward, branching like a feather or a bare tree, while the upper half carries broad horizontal ripple marks left by retreating water. The image is black and white, with no people or objects — only the grain of the sand.","fr":"Du sable humide vu à la verticale remplit le cadre. Un sable sombre s'écoule du centre vers le bas en se ramifiant comme une plume ou un arbre nu, tandis que la moitié supérieure porte de larges ondulations laissées par le retrait de l'eau. L'image est en noir et blanc, sans personne ni objet — seul demeure le grain du sable."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_nature","name":"$f:props:works:0:themes:0:name","description":"$f:props:works:0:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_water","name":"$f:props:works:0:themes:1:name","description":"$f:props:works:0:themes:1:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_trace","name":"$f:props:works:3:themes:0:name","description":"$f:props:works:3:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A13","name":{"ko":"윤미지","en":"Miji YOON","fr":"Miji YOON"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"윤미지는 사진을 기반으로 다양한 매체를 넘나들며 자연과 삶의 흔적을 탐구하는 시각예술가이다. 2025년 대구사진비엔날레 참가 이후 본격적으로 사진을 독립적인 매체로 다루기 시작했다. 어머니의 사진관에서 자란 경험을 바탕으로 사진을 단순한 기록이 아닌 기억과 경험을 재구성하는 매체로 사용한다. 그는 풍경을 자연이 빚어내는 유기적 형태로 인식하고 그 안에 축적된 기억과 보이지 않는 시간을 시각화하고자 한다. 팬데믹 시기에는 서로 다른 장소에서 촬영한 풍경 이미지를 자르고 구기며 재조합하기 시작했고, 이는 현실과 상상이 교차하는 하이브리드한 동굴 형태의 설치 작품으로 이어졌다. 최근에는 조간대 지역을 촬영하며 드러남과 사라짐이 반복되는 시간의 표면과 섬세한 지질적 흔적에 주목한다. 그의 사진은 개인의 이동 경험에서 출발해, 거대한 자연 속의 존재와 부재, 기억과 망각 사이의 경계를 탐구한다.\n\n그의 절제된 시각 언어는 신체와 환경, 개인적 경험과 보편적 지각 사이의 긴장을 드러낸다.","en":"Miji Yoon is a Korean artist based in France, working across photography, video, installation, and performance. Her practice explores the relationships between humans and nature, place and memory, migration and belonging. Through subtle visual languages, she reveals the tensions between body and environment, personal experience and universal perception","fr":"Miji Yoon est une artiste coréenne installée en France, dont la pratique associe photographie, vidéo, installation et performance. Son travail explore les relations entre l’être humain et la nature, le lieu et la mémoire, la migration et le sentiment d’appartenance. À travers un langage visuel subtil, elle révèle les tensions entre le corps et son environnement, l’expérience personnelle et la perception universelle."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a18","code":"A18","title":{"ko":"Connect","en":"Connect","fr":"Connect"},"year":2023,"image":{"src":"/artworks/A18.webp","dominant":"#15143b","accent":"#757d53","alt":{"ko":"낮의 한옥 위로 밤하늘 천이 젖혀지며 도시 야경이 드러나는 컬러 합성 이미지","en":"A composite colour image where a night-sky curtain is drawn back above a daylit Korean temple to reveal a city skyline","fr":"Une image composite en couleur où un rideau de ciel nocturne s'écarte au-dessus d'un temple coréen de jour, révélant une ville"},"ratio":0.7072135785007072,"carouselSrc":"/artworks/800/A18.webp"},"dimensions":"29.7 x 42 cm","curatorIntent":{"ko":"이미지에서 전통 건축물은 과거를, 현대 도시의 스카이라인은 현재를, 별과 달이 있는 밤하늘은 인간의 역사보다 거대한 시간의 흐름을, 식물과 새들은 자연을 연상시키도록 한다. 이 요소들이 서로 한 화면에 레이어처럼 쌓여 서로 다른 시간의 질서와 환경이 하나의 공간에서 연결된 것처럼 보이게끔 연출하였다.\n시간의 흐름에 따라 공간은 끊임없이 변화하고, 그 안에서는 저마다의 시대적 배경과 문화가 형성된다. 서로 다른 시대의 삶과 문화는 공간에 흔적을 남기고, 그 흔적들은 새로운 시간과 만나 또 다른 풍경을 만들어낸다.\n우리가 살아가는 공간 역시 어느 한 시대의 모습만으로 이루어지지 않는다. 서로 다른 시간 속에서 형성된 다양한 문화와 역사가 겹겹이 쌓이고 연결되며 오늘날의 모습을 이루고 있다.\n이처럼 시간과 공간, 시대와 문화는 서로 독립적으로 존재하는 것이 아니라 끊임없이 영향을 주고받으며 연결되어 있다. 우리가 마주하는 현재의 풍경 속에는 지나온 수많은 시대의 흔적이 함께 존재한다.","en":"In the image, traditional architecture evokes the past, the skyline of the modern city the present, the night sky with stars and moon a flow of time far greater than human history, and plants and birds nature. These elements are stacked like layers within a single picture, staged so that different orders of time and environments appear connected in one space.\n\nOver time, spaces change constantly, and within them each era forms its own background and culture. The lives and cultures of different eras leave traces in space, and those traces meet new times to create yet other landscapes.\nThe spaces we live in, too, are not made of the face of a single era. Diverse cultures and histories formed in different times pile up in layers and connect to make what they are today.\nIn this way, time and space, era and culture do not exist independently; they are connected, constantly influencing one another. Within the present landscape we face, the traces of countless past eras exist together.","fr":"$2f"},"description":{"ko":"아래쪽은 한낮이다. 돌로 쌓은 축대와 계단 위에 단청을 입힌 한옥이 서 있고, 초록 잔디와 큰 나무들이 좌우를 채운다. 위쪽은 별이 뜬 짙은 남색 밤하늘인데, 그 하늘이 천처럼 오른쪽으로 젖혀지며 뒤에 숨어 있던 흰 뭉게구름과 고층 빌딩 야경이 드러난다. 왼쪽 나무 위와 오른쪽 천 끝에 흰 학이 한 마리씩 있고, 하늘 왼쪽에는 초승달이 떠 있다.","en":"The lower half is broad daylight: a painted wooden hall stands on stone terraces and steps, with green lawn and large trees filling both sides. The upper half is a deep blue starry night, and that sky is being drawn aside like a curtain to the right, revealing white cumulus clouds and a lit high-rise skyline behind it. A white stork perches on the tree at the left and another hangs at the curtain's edge at the right, with a crescent moon in the sky at upper left.","fr":"La moitié basse est en plein jour : une halle de bois peinte se dresse sur des terrasses et des marches de pierre, bordée de pelouse verte et de grands arbres. La moitié haute est une nuit bleu profond étoilée, et ce ciel s'écarte comme un rideau vers la droite, découvrant des cumulus blancs et une ligne de gratte-ciel éclairés. Une cigogne blanche se pose sur l'arbre à gauche, une autre pend au bord du rideau à droite, et un croissant de lune brille en haut à gauche."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_digital","name":"$f:props:works:0:themes:2:name","description":"$f:props:works:0:themes:2:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_korean_motif","name":"$f:props:works:1:themes:1:name","description":"$f:props:works:1:themes:1:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_city","name":"$f:props:works:5:themes:0:name","description":"$f:props:works:5:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A14","name":{"ko":"낙타","en":"NAKTA","fr":"NAKTA"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"NAKTA는 디지털 콜라주 기법을 바탕으로 다양한 상상의 세계를 작품 속에 담아내는 작가이다. 그의 작업은 주로 현실 세계의 풍경 속에 존재하는 요소들의 형태를 해체하고, 기존의 질서를 분해한 뒤 화면 안에 새롭게 배치하며 또 다른 질서로 변형하는 방식으로 완성된다. 디지털 작업을 통해 자신만의 세계관을 담은 다양한 작품을 만들어가고 있다.\n\n기업 디자이너로 일하다 프리랜서로 전향한 뒤 여행지의 익숙한 풍경을 상상 속 세계로 변형하는 작업을 발전시켰다. 관람객이 일상에서 즐거움과 풍부한 감정을 발견하기를 바라며, 현대백화점과 롯데의 기업 프로젝트 및 음반 커버 작업에 참여했다. NFT를 일찍부터 도입했으며 여러 아트페어와 미디어 전시에 활발히 참여하고 있다.","en":"NAKTA is a Korean digital collage artist. Moving from a corporate design career to freelancing, he began transforming familiar landscapes into imaginary worlds inspired by his travels. His work encourages viewers to find joy and rich emotions in daily life. NAKTA has collaborated on album covers and corporate projects with Hyundai Department Store and Lotte. An early adopter of NFTs, he actively participates in various art fairs and media exhibitions","fr":"NAKTA est un artiste coréen spécialisé dans le collage numérique. Après avoir quitté une carrière dans le design en entreprise pour travailler en indépendant, il a commencé à transformer des paysages familiers en mondes imaginaires inspirés de ses voyages. Son travail invite le public à redécouvrir la joie et la richesse des émotions présentes dans la vie quotidienne. NAKTA a notamment réalisé des pochettes d’albums et collaboré à des projets avec Hyundai Department Store et Lotte. Précurseur dans le domaine des NFT, il participe activement à de nombreuses foires d’art et expositions consacrées aux nouveaux médias."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a21","code":"A21","title":{"ko":"거품은, 삼켰다. 다시. 시작.","en":"Bubbles, swallowed. Again. Start.","fr":"Bubbles, swallowed. Again. Start."},"year":2022,"image":{"src":"/artworks/A21.webp","dominant":"#b8c9d2","accent":"#6a7389","alt":{"ko":"흰 종이 땅 위로 파란 물결 줄기가 길게 흘러내리는 컬러 콜라주","en":"A colour collage where long blue wavy strands pour down over a landmass of torn white paper","fr":"Un collage en couleur où de longs filets bleus ondulés ruissellent sur une terre de papier blanc déchiré"},"ratio":1,"carouselSrc":"/artworks/800/A21.webp"},"dimensions":"50 x 50 cm","curatorIntent":{"ko":"$30","en":"$31","fr":"$32"},"description":{"ko":"크림색 하늘 아래, 찢긴 흰 종이가 땅처럼 화면 아래쪽을 가로지르고 그 위에 파란 점과 자줏빛 얼룩이 흩어져 있다. 오른쪽 위에서 시작된 파란 물결 모양 줄기 예닐곱 가닥이 화면 아래까지 길게 흘러내린다. 가운데에는 연보라와 살구색이 비치는 반투명한 종이가 돛처럼 휘어 서 있고, 오른쪽에는 연두색 삼각형, 왼쪽 가장자리에는 짙은 남색 면이 있다.","en":"Under a cream sky, torn white paper runs across the lower frame like ground, scattered with blue specks and purple stains. Six or seven wavy blue strands start at the upper right and pour all the way down the picture. A translucent sheet shading from lilac to apricot curves upright at the centre like a sail, with a pale green triangle at the right and a deep navy field at the left edge.","fr":"Sous un ciel crème, du papier blanc déchiré traverse le bas du cadre comme un sol, parsemé de points bleus et de taches violettes. Six ou sept filets bleus ondulés naissent en haut à droite et ruissellent jusqu'en bas de l'image. Une feuille translucide, du lilas à l'abricot, se courbe au centre comme une voile ; un triangle vert pâle à droite, un aplat bleu marine au bord gauche."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_still_life","name":"$f:props:works:1:themes:0:name","description":"$f:props:works:1:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_water","name":"$f:props:works:0:themes:1:name","description":"$f:props:works:0:themes:1:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A15","name":{"ko":"오와칠호","en":"OWA-7HO","fr":"OWA-7HO"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"OWA-7HO(오와칠호)는 기묘경과 김원규로 구성된 한국 아티스트 듀오이다. 패션, 회화, NFT, 입체 구조를 넘나들며 도시의 흔적, 낡은 표면, 균열과 질서의 틈을 탐구한다. 이들의 작업은 물질성과 디지털 감각, 거리 문화와 회화적 제스처가 교차하는 하이브리드 이미지를 구축하며, 동시대 한국 디지털·스트리트 기반 미술의 확장된 감각을 보여준다.","en":"OWA-7HO is a Korean artist duo formed by Gi Myo-gyeong and Kim Won-kyu. Moving across fashion, painting, NFT, and sculptural forms, they explore traces of the city, worn surfaces, and the tension between rupture and order. Their practice creates hybrid images where materiality, digital sensibility, street culture, and painterly gesture intersect, expanding the language of contemporary Korean digital and street-influenced art.","fr":"OWA-7HO est un duo d’artistes coréens formé par Gi Myo-gyeong et Kim Won-kyu. À la croisée de la mode, de la peinture, des NFT et de la sculpture, leur travail explore les traces de la ville, les surfaces altérées ainsi que la tension entre rupture et ordre. Leur pratique donne naissance à des images hybrides où se rencontrent matérialité, sensibilité numérique, culture urbaine et geste pictural, élargissant ainsi le vocabulaire de l’art contemporain coréen influencé par le numérique et la culture street."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a23","code":"A23","title":{"ko":"루머의 숲","en":"The Forest of Rumors","fr":"The Forest of Rumors"},"year":2023,"image":{"src":"/artworks/A23.webp","dominant":"#402c1f","accent":"#633524","alt":{"ko":"달빛 숲에서 푸른 손이 얼굴 모양 그릇을 받쳐 든 가로로 긴 컬러 콜라주","en":"A wide colour collage where blue hands hold up a bowl shaped like a face in a moonlit forest","fr":"Un collage en couleur panoramique où des mains bleues soulèvent un bol en forme de visage dans une forêt éclairée par la lune"},"ratio":1.7751479289940828,"carouselSrc":"/artworks/800/A23.webp"},"dimensions":"42 x 70 cm","curatorIntent":{"ko":"\n매체: 디지털 콜라주, 무빙 이미지\n\n<루머의 숲>은 무성한 소문의 덤불에 갇힌 한 개인의 모습을 그린다. 이 작품은 말이 어떻게 사람에게 상처를 남기고, 자아 감각을 조금씩 마모시키며, 삶 자체를 무너뜨릴 수 있는지 탐구한다.\n\n작품은 관람자에게 질문을 되돌린다. 당신은 그 소문에 자신의 목소리를 보태고 있는가, 아니면 소문의 무게 아래에서 자신만의 진실을 지키기 위해 애쓰고 있는가? 추측이 어느새 사실로 받아들여지는 경계가 흐려질 때, 작품은 우리가 무엇을 믿기로 선택하며 그 믿음을 다른 이들에게 어떻게 전달하는지 돌아보게 한다.","en":"“The Forest of Rumors”\nMedium: digital collage, moving image\n\n“The Forest of Rumors” depicts an individual trapped in a thicket of rampant rumours. The work explores how words can wound a person, gradually wear away their sense of self, and even bring their life crashing down.\n\nThe work turns the question back on the viewer: Are you adding your own voice to the rumour, or are you struggling to protect your own truth beneath its weight? When the line at which speculation comes to be accepted as fact grows blurred, the work makes us reflect on what we choose to believe and how we pass that belief on to others.","fr":"« The Forest of Rumors » (« La forêt des rumeurs »)\nMédium : collage numérique, image en mouvement\n\n« La forêt des rumeurs » dépeint une personne prise au piège d’un fourré de rumeurs foisonnantes. L’œuvre explore la manière dont les mots peuvent blesser, éroder peu à peu le sentiment de soi et aller jusqu’à faire s’effondrer une vie.\n\nL’œuvre renvoie la question au spectateur : ajoutez-vous votre voix à la rumeur, ou luttez-vous pour préserver votre propre vérité sous son poids ? Lorsque s’estompe la frontière à partir de laquelle une supposition est tenue pour un fait, l’œuvre nous invite à réfléchir à ce que nous choisissons de croire et à la manière dont nous transmettons cette croyance aux autres."},"description":{"ko":"가로로 긴 화면 가운데에 보름달이 떠 있고 그 앞으로 나무 사다리가 달까지 이어진다. 중앙에는 푸른 손 두 개가 얼굴 모양으로 깎인 그릇을 받쳐 들고 있으며, 그릇 안에 작은 흰 조각상이 머리를 감싸고 앉아 있다. 그 아래 분홍빛 손 두 쌍이 맞잡고 있고, 주위에는 비명을 지르는 흰 대리석 조각상들, 붉고 분홍인 장미, 이빨이 보이는 입 모양, 땅에 꽂힌 칼들이 좌우 대칭으로 늘어서 있다. 바닥 가운데로 개울이 흘러내리고 하늘은 청록빛 밤하늘이다.","en":"A full moon sits at the centre of a wide frame, with a wooden ladder climbing into it. Two blue hands hold up a bowl carved as a face, and a small white figure sits inside it with its head in its hands. Below, two pairs of pink hands clasp together. Screaming white marble busts, red and pink roses, open mouths showing teeth, and daggers planted upright are arranged symmetrically to left and right, a stream runs down the centre of the ground, and the sky is a teal night.","fr":"Une pleine lune occupe le centre d'un cadre panoramique, une échelle de bois y montant. Deux mains bleues soulèvent un bol sculpté en forme de visage, et une petite figure blanche y est assise, la tête dans les mains. En dessous, deux paires de mains roses se joignent. Des bustes de marbre blanc hurlants, des roses rouges et roses, des bouches ouvertes montrant les dents et des dagues plantées se répartissent symétriquement de part et d'autre ; un ruisseau descend au centre du sol et le ciel est une nuit turquoise."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_still_life","name":"$f:props:works:1:themes:0:name","description":"$f:props:works:1:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A16","name":{"ko":"레지나킴","en":"Regina Kim","fr":"Regina Kim"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"레지나킴은 런던을 기반으로 활동하는 비주얼 아티스트로, '편집된 인간(The Edited Human)'이라는 주제 아래 디지털 시대 인간의 실존과 신체, 정신을 탐구한다. 강렬한 색채와 이질적 이미지를 결합해 초현실적이고 환상적인 공간을 구축하며, 평면 회화를 넘어 무빙 이미지, 미디어 아트, 3D 조각으로 작업을 확장한다. 빌리(Billlie), (여자)아이들((G)I-DLE) 등 K-팝 아티스트와 포르쉐, SK하이닉스, 플레이보이, 배스킨라빈스, 뉴에라, 마룬5 등 글로벌 브랜드와 여러 뮤지션들과 일했으며, 런던 사치 갤러리(Saatchi Gallery), 아우터넷(London Outernet), 뉴욕 타임스퀘어(Times Square) 등에서 미디어 작품을 선보였다. 디지털 시스템과 인간 감성 사이의 관계를 탐구하는 새로운 시각 언어를 지속적으로 실험하고 있다.","en":"REGINA KIM is a visual artist based in London and Seoul, working across moving image, media art, collage, and digital illustration. Her practice explores the sensory boundaries between the human body and the digital world, addressing sensory distortion, algorithmic addiction, collective intelligence, and disembodied existence through the broader project The Edited Human. She completed an MA in Contemporary Art Practice at the Royal College of Art, and her collaborations with Porsche, Baskin-Robbins, New Era, Maroon 5, (G)I-DLE, and Billlie have expanded her work into the field of popular culture. Her work has been shown in contexts including Saatchi Gallery, Times Square, and Outernet London.","fr":"REGINA KIM est une artiste visuelle basée entre Londres et Séoul. Elle développe une pratique qui englobe l’image en mouvement, l’art numérique, le collage et l’illustration digitale. À travers son projet plus vaste intitulé The Edited Human, elle explore les frontières sensorielles entre le corps humain et le monde numérique, en abordant notamment la distorsion des perceptions, la dépendance algorithmique, l’intelligence collective et les formes d’existence désincarnée. Diplômée d’un master en pratique de l’art contemporain du Royal College of Art, elle a également collaboré avec Porsche, Baskin-Robbins, New Era, Maroon 5, (G)I-DLE et Billlie, inscrivant ainsi son travail dans le champ de la culture populaire. Ses œuvres ont notamment été présentées à la Saatchi Gallery, à Times Square et à Outernet London."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a24","code":"A24","title":{"ko":"옥춘당-250404","en":"okchundang-250404","fr":"okchundang-250404"},"year":2025,"image":{"src":"/artworks/A24.webp","dominant":"#ff2e5d","accent":"#ff2e5d","alt":{"ko":"분홍 반원과 노랑·초록 삼각형, 흰 부채꼴이 흰 바탕에 빽빽이 반복되는 무늬","en":"A dense repeating pattern of pink half-circles, yellow and green triangles and white fans on white","fr":"Un motif répété dense de demi-cercles roses, de triangles jaunes et verts et d'éventails blancs sur fond blanc"},"ratio":0.562429696287964,"carouselSrc":"/artworks/800/A24.webp"},"dimensions":"45 x 80 cm","curatorIntent":{"ko":"옥춘당(玉春糖)은 쌀가루와 엿을 섞고 색소로 알록달록하게 물들인 한국의 전통 사탕이다. 동그란 단면을 보면 중심에서 바깥으로 갈라진 색 조각들이 모여 원을 이룬다. 사람들은 이 사탕을 제사상이나 잔칫상에 탑처럼 높이 쌓아 올렸고, 상을 높이 채우는 일에 집안의 평안과 좋은 일을 바라는 마음을 담았다. 같은 사탕을 한 층씩 쌓아 큰 형태를 만드는 이 방식은, 사람들이 손으로 오래 지켜 온 규칙이기도 했다.\n\n이 작품은 그 규칙을 코드로 옮긴 생성형 애니메이션에서 나왔다. 작가는 옥춘당의 둥근 단면을 부채꼴 조각으로 나누고, 조각들이 조건에 따라 회전하고 쌓이고 배열되는 방식을 규칙으로 정해 더 큰 구조를 만든다. 정해진 규칙에 우연히 생기는 차이가 더해지기 때문에, 장면마다 패턴의 밀도와 리듬, 긴장감이 조금씩 달라지고 같은 장면은 다시 나오지 않는다. 이 이미지는 그렇게 이어지는 장면 가운데 한 순간을 골라 멈춘 것이다.\n\n작가는 옥춘당의 모양을 그대로 그리는 대신, 사람들이 손으로 이어 온 쌓기의 반복을 규칙으로 바꾸어 컴퓨터가 계속하게 했다. 작가가 정하는 것은 규칙까지이고, 각 장면의 모습은 계산이 진행되는 동안 정해진다. 이 한 장면은 그렇게 계속 바뀌어 가는 과정에서 잘라 낸 하나의 단면이다.","en":"$33","fr":"$34"},"description":{"ko":"흰 바탕 위에 진분홍 반원이 물결처럼 줄지어 겹치고, 그 사이사이로 노란색과 초록색 삼각형이 끼어든다. 분홍 줄무늬가 들어간 흰 부채꼴이 곳곳에 펼쳐져 리듬을 끊는다. 가장자리까지 같은 밀도로 채워져 중심이나 여백이 없고, 색은 분홍·노랑·초록·흰색 네 가지뿐이다.","en":"Deep pink half-circles repeat and overlap in waves across a white ground, with yellow and green triangles wedged between them. White fans striped in pink open here and there, breaking the rhythm. The density is even all the way to the edges, leaving no centre or margin, and the palette holds only pink, yellow, green and white.","fr":"Des demi-cercles rose vif se répètent et se chevauchent en vagues sur un fond blanc, des triangles jaunes et verts glissés entre eux. Des éventails blancs rayés de rose s'ouvrent çà et là, rompant le rythme. La densité reste égale jusqu'aux bords, sans centre ni marge, et la palette ne compte que le rose, le jaune, le vert et le blanc."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_digital","name":"$f:props:works:0:themes:2:name","description":"$f:props:works:0:themes:2:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_korean_motif","name":"$f:props:works:1:themes:1:name","description":"$f:props:works:1:themes:1:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A17","name":{"ko":"서효정","en":"SEOHYO","fr":"SEOHYO"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"일상에서 쉽게 접할 수 있는 사물을 미디어 기술과 결합해 낯설게 만드는 방식으로, 평범한 대상을 새로운 시각으로 인식하게 하는 설치 및 퍼포먼스 기반 작업을 이어왔다. 팬데믹 기간 동안 매일 코드로 제작한 작업을 업로드하는 데일리 코딩 프로젝트 를 계기로 제너러티브 아티스트로서 활동을 본격화했다. 수학적 원리와 자연에서 영감을 받은 작업을 중심으로, 도시 전광판을 큰 화면으로 바라보는 시각을 넘어 주변 환경과 상호작용하며 시각적 흐름을 생성하는 확장된 건축적 장치로 재해석하는 실험을 하고 있다. 현재 SADI 교수로 재직중이며, 작품은 대한민국역사박물관, 인천국제공항, 코엑스, 신세계, 미국 뉴욕 타임스퀘어, 중국 상하이 K11, 항저우 케리센터, 싱가포르 10스퀘어타워, 네덜란드 위트레흐트 후그 캐서린, 일본 도쿄 시부야 스크램블 교차로 등 국내외 주요 도시의 공공 스크린에서 상영되었다.\n\n서울을 기반으로 활동하는 작가는 창의적 코딩, 수학, 기하학, 자연의 구조를 바탕으로 알고리즘과 교육, 지각, 시적 이미지 생성이 교차하는 지점을 탐색한다.","en":"Hyojung Seo is a Seoul-based media and generative artist and professor at Samsung Art and Design Institute. Her earlier installation and performance-based works combine everyday objects with media technology to make the familiar unfamiliar. More recently, she has expanded into generative art through creative coding and daily coding practice, drawing from mathematics, geometry, and natural structures. Her practice sits at the intersection of algorithms, education, perception, and poetic image-making.","fr":"Hyojung Seo est une artiste des médias et de l’art génératif basée à Séoul, ainsi que professeure au Samsung Art and Design Institute. Ses premières installations et performances associaient des objets du quotidien aux technologies médiatiques afin de rendre l’univers familier étrange et inattendu. Plus récemment, elle a élargi sa pratique à l’art génératif à travers le creative coding et une pratique quotidienne de la programmation, nourrie par les mathématiques, la géométrie et les structures naturelles. Son travail se situe à la croisée des algorithmes, de l’enseignement, de la perception et de la création d’images poétiques."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a27","code":"A27","title":{"ko":"고집의 연옥","en":"094 SIM_Scenery","fr":"094 SIM_Scenery"},"year":2021,"image":{"src":"/artworks/A27.webp","dominant":"#b4b9b9","accent":"#8bb8b2","alt":{"ko":"분홍과 민트색 바탕에 가는 선으로 그린 식물 같은 형태가 빽빽한 세로 이미지","en":"A tall image dense with fine-line plant-like forms over a pink and mint ground","fr":"Une image verticale saturée de formes végétales au trait fin sur un fond rose et menthe"},"ratio":0.7072135785007072,"carouselSrc":"/artworks/800/A27.webp"},"dimensions":"59 x 84 cm","curatorIntent":{"ko":"“하나의 생명을 낳는 것은 하나의 죽음을 낳는 것과 같다.”\n어릴 적 이 깨달음으로부터 출발한 본 작업은, 생과 사의 섭리에서 벗어난 대안적 공간으로서 천국과 지옥의 경계인 ‘연옥’을 시각화한다. \n\nSIM Moby의 연옥 세계관 SIM_Purgatory는 드로잉을 제외한 총 1만 점의 규모로 구축되며\n이는 드로잉, 디지털 페인팅, 콜라주, 믹스미디어, 페인팅, 입체 작품 등 6가지 장르로 전개된다.\n\n 동양의 육도윤회 철학에 기반한 본 세계관은 ‘환생 전에 머무는 장소’라는 연옥의 개념을 빌려, 최초의 드로잉이 다양한 장르로 거듭나는 ‘회화의 윤회’를 구현한다. \n\n현세의 모티프를 차용해 구축된 2D 풍경은 작가의 자전적 경험과 동양적 정체성, 괴수적 형상과 전생의 상상적 이미지가 융합된 비물질적 공간이다. \n\n연옥의 유토피아적 영속성을 위해 물리적 재료를 다루는 1차 작업 이후, 물리적 소멸이 없는 디지털 매체를 통한 2차 작업을 거쳐 최종 완성된다.\n\n이번 출품작인 <094 SIM_Scenery> <배경> 축에 속하는 (연옥의 풍경) 시리즈의 디지털 페인팅으로, 드로잉 원본을 포토샵에서 새롭게 채색하여 완성한 연작 중 한 점이다. \n\n모든 작품은 고유한 번호와 시리즈 명으로 명명되어 1만 점의 전체 구조 속 위치와 장르를 식별하는 코드가 된다. \n\n특히 본 작품이 포함된092, 093, 094의 3점은 화면이 유기적으로 이어지는 특별한 연작으로, 희소성을 높이기 위해 5 에디션 한정으로 제작되었다.\n\n각 작품은 “OO의 연옥”이라는 개별 부제를 지니며, 본 출품작은 <고집의 연옥>을 주제로 작가의 자전적 경험을 담은 아래의 시를 시각화하고 있다.\n\n심모비 - 시\n\n아물거리는 네 모습 아쉬워\n서러움 가슴에 묻고\n\n음음음 신음 들릴까\n아무 말도 못 한 채 숨는다.\n\n색깔도 없는 비바람 아래\n뒤돌아선 내 고달픔 보일 테니\n\n기억을 세며 가린다.\n\n잊을 걸 못 잊고\n못 잊을 걸 잊어보려\n\n<고집의 연옥> - 심모비","en":"$35","fr":"$36"},"description":{"ko":"분홍과 민트색이 번갈아 번진 바탕 위에 가느다란 검은 선으로 그린 형태가 빈틈없이 쌓여 있다. 잎사귀·덩굴·실뭉치처럼 보이는 것들이 위아래로 이어지고, 가운데에는 흰색과 연두색 별 모양이 여러 개 터지듯 모여 있다. 전체에 오돌토돌한 점 질감이 깔려 있어 화면이 거칠게 느껴진다.","en":"Fine black-line forms pile up without gaps over a ground that alternates between pink and mint. Shapes reading as leaves, vines and balls of thread run top to bottom, and several white and yellow-green stars burst together at the centre. A grainy stipple covers the whole surface, giving it a rough texture.","fr":"Des formes au trait noir fin s'empilent sans interstice sur un fond alternant rose et menthe. Des éléments évoquant feuilles, lianes et pelotes de fil se succèdent de haut en bas, et plusieurs étoiles blanches et vert tendre éclatent ensemble au centre. Un grain pointillé couvre toute la surface et la rend rugueuse."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_digital","name":"$f:props:works:0:themes:2:name","description":"$f:props:works:0:themes:2:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A18","name":{"ko":"심모비","en":"SIM Moby","fr":"SIM Moby"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"심모비(SIM MOBY, 본명 심재승)는 일본을 기반으로 활동하는 한국의 디지털 아티스트이자 디자이너다. 도요타(Toyota)에서 인테리어 디자이너로 일하는 동시에, NFT를 기반으로 하는 예술적 세계관 를 발전시키고 있다. 디지털 페인팅을 통해 사후세계와 연옥을 연상시키는 풍경을 구축하며, 디자인의 정교함과 초현실적인 디지털 분위기를 결합한다. 작품은 일본, 한국, 아랍에미리트에서 전시되었다.","en":"SIM MOBY is a Korean digital artist and designer based in Japan. Born Sim Jaeseung, he works as an interior designer for Toyota while developing the NFT-based “SIM_Scenery” universe as an artistic practice. Through digital painting, he constructs afterlife-like worlds and purgatorial landscapes. His work has been exhibited in Japan, Korea, and the United Arab Emirates, combining design precision with surreal digital atmosphere.","fr":"SIM MOBY est un artiste numérique et designer coréen basé au Japon. Né Sim Jaeseung, il travaille comme designer d'intérieur pour Toyota tout en développant l'univers « SIM_Scenery », basé sur les NFT, en tant que pratique artistique. À travers la peinture numérique, il construit des mondes évoquant l'au-delà et des paysages de purgatoire. Son travail a été exposé au Japon, en Corée et aux Émirats arabes unis, alliant la précision du design à une atmosphère numérique surréaliste."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a30","code":"A30","title":{"ko":"Le bonheur fleurit","en":"Le bonheur fleurit","fr":"Le bonheur fleurit"},"year":2026,"image":{"src":"/artworks/A30.webp","dominant":"#d2e4c6","accent":"#1b6775","alt":{"ko":"파란 기와지붕 한옥 빵집에 빵이 가득 쌓이고 무궁화가 둘러싼 컬러 그림","en":"A colour illustration of a bakery under a blue-tiled Korean roof, piled with bread and framed by hibiscus flowers","fr":"Une illustration en couleur d'une boulangerie sous un toit de tuiles bleues coréen, croulant sous le pain et encadrée d'hibiscus"},"ratio":1,"carouselSrc":"/artworks/800/A30.webp"},"dimensions":"40 x 40 cm / 60 x 60 cm","curatorIntent":{"ko":"\n\n시간을 거쳐 전해 내려온 한국적 이미지들, 즉 기와지붕과 단청, 도자기와 옹기, 맷돌과 절구, 만개한 무궁화가 모여 하나의 풍경을 이룬다.\n\n그 안에는 붓꽃 장식이 있는 프랑스 전통 오븐과 갓 구운 빵이 자연스럽게 어우러지며, 서로 다른 두 문화의 이미지들이 새로운 조화를 만들어낸다.\n\n한국적 이미지는 과거에 고정된 채 머무는 것이 아니라, 다른 문화와 만날 때마다 계속 펼쳐지며 새로운 풍경으로 피어난다.\n\n작품은 시대와 문화의 경계를 넘어 끊임없이 이어지는 한국적 이미지의 흐름을 포착하고, 각 문화의 아름다움이 조화롭게 공존하는 하나의 풍경으로 구성한다.","en":"“Le bonheur fleurit”\n\nKorean images handed down through time — tiled roofs and dancheong, ceramics and onggi earthenware, millstones and mortars, and rose of Sharon in full bloom — come together to form a single landscape.\n\nWithin it, a traditional French oven decorated with irises and freshly baked bread blend naturally, and images from two different cultures create a new harmony.\n\nKorean images do not remain fixed in the past; each time they meet another culture, they keep unfolding and blossom into new landscapes.\n\nThe work captures the flow of Korean imagery that continues endlessly across the boundaries of eras and cultures, and composes it into a single landscape in which the beauty of each culture coexists in harmony.","fr":"« Le bonheur fleurit »\n\nDes images coréennes transmises à travers le temps — toits de tuiles et dancheong, céramiques et jarres onggi, meules et mortiers, hibiscus de Syrie en pleine floraison — se rassemblent pour former un seul paysage.\n\nOn y voit un four traditionnel français orné d’iris et du pain tout juste sorti du four s’harmoniser naturellement, et les images de deux cultures différentes créer une harmonie nouvelle.\n\nLes images coréennes ne restent pas figées dans le passé : chaque fois qu’elles rencontrent une autre culture, elles continuent de se déployer et fleurissent en paysages nouveaux.\n\nL’œuvre saisit le flux des images coréennes qui se prolonge sans fin par-delà les frontières des époques et des cultures, et le compose en un seul paysage où la beauté de chaque culture coexiste en harmonie."},"description":{"ko":"파란 기와를 올린 한옥 처마 아래가 빵집으로 꾸며져 있다. 가운데에는 꽃무늬를 그려 넣은 둥근 화덕이 있고 그 안에 빵이 구워지고 있으며, 오른쪽 선반과 앞쪽 나무 탁자에는 빵이 층층이 쌓여 있다. 처마 밑 검은 현판에는 한글로 '르 보뇌르 플뢰리'라고 적혀 있고, 왼쪽과 오른쪽 가장자리를 흰 분홍빛 무궁화와 초록 잎이 감싼다. 색은 파랑·초록·주황으로 선명하게 칠해져 있다.","en":"A bakery is set up beneath the eaves of a Korean hall roofed in blue tiles. A round oven painted with floral motifs stands at the centre with loaves baking inside, while shelves at the right and a wooden table in front are stacked with bread. A black signboard under the eaves reads in Korean script, and white-pink hibiscus blossoms with green leaves frame the left and right edges. The colours are flat and vivid — blue, green and orange.","fr":"Une boulangerie est installée sous l'avant-toit d'une halle coréenne couverte de tuiles bleues. Un four rond orné de motifs floraux occupe le centre, des pains y cuisant, tandis que les étagères à droite et la table de bois au premier plan débordent de pains. Un panneau noir sous l'avant-toit porte une inscription en coréen, et des hibiscus blanc rosé aux feuilles vertes encadrent les bords gauche et droit. Les couleurs sont plates et vives — bleu, vert et orange."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_korean_motif","name":"$f:props:works:1:themes:1:name","description":"$f:props:works:1:themes:1:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A19","name":{"ko":"어터멜론","en":"Uttermelon","fr":"Uttermelon"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"어터멜론은 현대 사회의 다양한 이슈와 혼돈과 창조가 만나는 지점을 탐구한다. 주로 3D, 2D, 픽셀 아트를 결합한 작업을 통해 현대 문화의 상징과 이야기를 작품의 소재로 삼는다. 이러한 요소들을 새롭게 재구성하여 유머와 비판이 공존하는 화면을 만들고, 이를 통해 관람자에게 더 깊은 성찰을 불러일으키고자 한다.","en":"Uttermelon is a South Korean digital artist who reinterprets contemporary society and digital culture through humor and surreal imagery. Combining internet memes, game-like aesthetics, consumer culture, financial language, and fragments of popular media, the artist creates digital landscapes where chaos, play, satire, and critique coexist. Recently, Uttermelon has presented work through projects with Google Pixel, Gemini Art Remix, and ArtCrush, including the Rijksmuseum and public digital billboards in the Netherlands.","fr":"Uttermelon est une figure anonyme de l’art numérique sud-coréen, qui réinterprète la société contemporaine et la culture digitale à travers l’humour et des images surréalistes. Mêlant mèmes issus d’Internet, esthétiques vidéoludiques, culture de la consommation, langage financier et fragments de médias populaires, son travail compose des paysages numériques où coexistent chaos, jeu, satire et regard critique. Plus récemment, Uttermelon a présenté ses œuvres dans le cadre de projets menés avec Google Pixel, Gemini Art Remix et ArtCrush, notamment au Rijksmuseum et sur des écrans numériques publics aux Pays-Bas."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a31","code":"A31","title":{"ko":"디지털 숭고: 물의 상태 I","en":"Digital Sublime Flora : State of Water I","fr":"Digital Sublime Flora : State of Water I"},"year":2026,"image":{"src":"/artworks/A31.webp","dominant":"#000000","accent":"#806e5d","alt":{"ko":"검은 배경에 초록 산과 거대한 흰 꽃이 솟고 가운데로 흰 물줄기가 흐르는 세로 이미지","en":"A tall image on black where green peaks and giant pale flowers rise, with a white stream running down the centre","fr":"Une image verticale sur fond noir où des pics verts et de gigantesques fleurs pâles s'élèvent, un ruisseau blanc descendant au centre"},"ratio":0.6997900629811057,"carouselSrc":"/artworks/800/A31.webp"},"dimensions":"70 × 100 cm","curatorIntent":{"ko":"이 작품은 자연과 인공의 경계에서 출현하는 풍경을 통해 ‘디지털 숭고(Digital Sublime)’의 가능성을 탐색한다. 물의 움직임, 식물의 성장, 산과 지형의 형성이라는 익숙한 자연적 과정은 디지털 환경 속에서 새롭게 구성되며, 현실 세계에는 대응물이 없는 하나의 생태계로 펼쳐진다.\n\n물은 흔적을 남기지 않은 채 흐르는 듯하고, 식물과 지형은 고정된 정체성을 갖지 않은 채 형태를 이루어 가는 듯 보인다. 물질과 비물질, 운동과 정지, 출현과 소멸 사이의 경계는 불확실해진다. 작품은 자연을 있는 그대로 재현하기보다 자연이 존재할 수 있는 다른 조건들을 상상한다.\n\n작가에게 인공지능은 단순히 이미지를 생산하는 도구가 아니다. 자연계의 형상들을 변형하고 새로운 존재 가능성을 탐색하게 하는 창작 매체다. 그 결과 나타나는 생명체와 풍경들은 자연의 아름다움이 주는 친숙함과 동시에 미묘한 이질감을 불러일으킨다.\n\n이 불가능한 풍경과 만나는 관람자는 경이로움과 불안을 동시에 경험하고, 자연의 경계, 나아가 존재 자체의 경계가 어디에 놓이는지 다시 생각하도록 초대받는다.","en":"$37","fr":"$38"},"description":{"ko":"검은 하늘을 배경으로 가느다란 선을 수없이 겹쳐 그린 초록 산봉우리가 솟아 있다. 산보다 큰 꽃송이와 버섯 갓 모양이 긴 대 위에 피어 있고, 왼쪽에는 둥근 민들레 같은 구체가 떠 있다. 가운데에서 흰 물줄기가 반짝이며 아래로 흘러 점이 뿌려진 푸른 물에 닿고, 좌우 아래쪽은 산호빛 분홍 덤불로 덮여 있다.","en":"Green peaks built from countless hairline strokes rise against a black sky. Flower heads and mushroom caps larger than the mountains open on long stalks, and a round dandelion-like sphere floats at the left. A white stream glitters down the centre into speckled blue water, while coral-pink thickets fill the lower left and right.","fr":"Des pics verts composés d'innombrables traits fins s'élèvent sur un ciel noir. Des corolles et des chapeaux de champignon plus grands que les montagnes s'ouvrent sur de longues tiges, et une sphère ronde en pissenlit flotte à gauche. Un ruisseau blanc scintille au centre jusqu'à une eau bleue mouchetée, tandis que des fourrés rose corail emplissent le bas à gauche et à droite."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_digital","name":"$f:props:works:0:themes:2:name","description":"$f:props:works:0:themes:2:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_nature","name":"$f:props:works:0:themes:0:name","description":"$f:props:works:0:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_water","name":"$f:props:works:0:themes:1:name","description":"$f:props:works:0:themes:1:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A20","name":{"ko":"장연정","en":"Yeonjeong Jang","fr":"Yeonjeong Jang"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"장연정은 예술학 박사이자 디자인사·디자인미학을 강의하는 연구자이며 생성형 AI를 기반으로 작업하는 AI 아티스트이다. Forside라는 이름으로 활동하며 디지털 물질성, 빛, 에너지, 비가시적 감각을 통해 동시대 이미지의 확장 가능성을 탐구한다. 그의 작업은 사진적 재현의 경계를 넘어 인간의 감각과 알고리즘의 생성 과정이 만나는 지점에서 형성되는 ‘디지털 숭고’를 다룬다. 반투명한 형상과 검은 공간, 응축과 확산의 이미지는 기술 이후의 자연, 물질, 존재에 대한 사유로 이어진다.\n\n서울을 기반으로 활동하는 장연정은 식물적 구조, 잔여 생태계, 비인간적 감각을 생성형 이미지로 표현한다. 연작은 세디션(Sedition)에서 소개된 바 있으며, 생명과 기술, 아름다움과 불안이 공존하는 사변적 식물 형태와 탈자연적 분위기를 발전시킨다.","en":"Jang Yeonjeong, working under the name Forside, is a Seoul-based AI artist. Centered on the idea of the “Digital Sublime,” she creates generative images of vegetal structures, residual ecologies, and non-human sensibilities. Her “Digital Sublime” series has been presented on Sedition, developing speculative botanical forms and post-natural atmospheres where life and technology, beauty and unease coexist.","fr":"Jang Yeonjeong, travaillant sous le nom de Forside, est une artiste spécialisée en intelligence artificielle basée à Séoul. Centrée sur le concept de « Sublime Numérique » (Digital Sublime), elle crée des images génératives de structures végétales, d'écologies résiduelles et de sensibilités non humaines. Sa série « Digital Sublime », présentée sur la plateforme Sedition, développe des formes botaniques spéculatives et des atmosphères post-naturelles où coexistent la vie et la technologie, la beauté et le malaise."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a35","code":"A35","title":{"ko":"Second Day of School (II)","en":"Second Day of School (II)","fr":"Second Day of School (II)"},"year":2018,"image":{"src":"/artworks/A35.webp","dominant":"#e4d2bf","accent":"#b0cde3","alt":{"ko":"초록 창틀의 흰 학교 건물 앞 모래 운동장에 축구 골대가 하나 서 있는 컬러 사진","en":"A colour photograph of a single football goal on a sandy yard in front of a white school with green window frames","fr":"Une photographie en couleur d'un but de football seul sur une cour sablonneuse devant une école blanche aux fenêtres vertes"},"ratio":1.499,"carouselSrc":"/artworks/800/A35.webp"},"dimensions":"20 × 30 cm / 50 × 75 cm / 80 × 120 cm","curatorIntent":{"ko":"은 안드레스가 2018년 한국을 처음 방문했을 때 촬영한 사진 연작이다. 그는 핀즐 매거진(Pinzle Magazine)의 초청으로 개인전을 열고 워크숍을 진행하며 사진을 촬영하기 위해 한국을 찾았다.\n\n서울은 활기 넘치는 도시였고, 사진으로 담고 싶은 훌륭한 현대 건축물로 가득했다. 그는 서울에서 즐거운 시간을 보내고 있었다. 그러나 여행 11일째, 우연한 사건으로 계획이 바뀌었다. 길을 잃고 헤매다 한 학교 운동장에 들어서게 된 것이다. 학교 입구를 향해 카메라를 돌린 순간 그는 눈앞의 풍경에 매료되었다. 대칭적인 구도, 색채, 시계, 나무, 그리고 자신은 읽을 수 없는 문자로 쓰인 글자들이 눈에 들어왔다.\n\n첫 사진의 셔터를 누르는 순간, 그는 다른 학교들도 탐색하며 그곳의 미학을 발견하고 싶어졌다. 하나의 연작이 될 수 있을지 확인하고 싶은 마음이었다. 그날 이후 그는 방문 일정 대부분을 그 목표에 쏟았다. 서울과 부산의 수십 개 학교를 방문한 결과가 바로 이다. 자신의 직감을 믿어야 하는 순간이었고, 그는 실제로 그렇게 했다.\n\n학교는 한 사회의 모습을 잘 드러내는 장소다. 따라서 이 사진들을 통해 한국 사회를 보다 깊이 이해할 수 있다. 건축의 대칭성, 색채, 풍부하게 등장하는 국가 상징, 스포츠에 대한 애정, 특히 축구의 두드러진 존재감은 어느 것 하나 우연이 아니다.","en":"$39","fr":"$3a"},"description":{"ko":"가로로 긴 화면에 흰 학교 건물이 정면으로 길게 펼쳐지고, 창틀은 모두 짙은 초록이다. 창문 사이 벽면에 노랑·파랑·빨강 사각형이 하나씩 칠해져 있어 흰 벽에서 눈에 띈다. 건물 앞에는 둥글게 다듬은 소나무 네 그루가 일정한 간격으로 서 있고, 앞쪽 모래 운동장 가운데에 흰 축구 골대가 혼자 놓여 있다. 하늘은 맑은 하늘색이다.","en":"A white school building runs the full width of the frame, every window frame painted dark green. Single squares of yellow, blue and red are set into the wall between the windows, standing out against the white. Four round-pruned pines are spaced evenly in front of the building, and a white football goal stands alone on the sandy yard in the foreground, under a clear blue sky.","fr":"Un bâtiment scolaire blanc occupe toute la largeur du cadre, tous les châssis peints en vert foncé. Des carrés isolés de jaune, de bleu et de rouge s'insèrent dans le mur entre les fenêtres et tranchent sur le blanc. Quatre pins taillés en boule s'alignent régulièrement devant l'édifice, et un but de football blanc se dresse seul sur la cour sablonneuse, sous un ciel bleu limpide."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_city","name":"$f:props:works:5:themes:0:name","description":"$f:props:works:5:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_trace","name":"$f:props:works:3:themes:0:name","description":"$f:props:works:3:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A01","name":{"ko":"안드레스 가야르도 알바하르","en":"Andrés Gallardo Albajar","fr":"Andrés Gallardo Albajar"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"안드레스 가야르도 알바하르(Andrés Gallardo Albajar)는 건축과 도시 공간을 촬영하는 사진가다. 스페인에서 건축가들에 둘러싸여 성장한 환경과 그래픽디자인을 공부한 배경은 그만의 독특한 시각 언어에 깊은 영향을 미쳤다. 2018년 서울에서 열린 전시를 중요한 전환점으로 삼아 전업 예술가의 길로 들어섰다. 그의 사진은 단순한 건축 기록에 머물지 않고, 도시 공간에 내재한 미학적 서사와 구조적 형태를 탐색한다. 작품은 《Architectural Digest》와 《National Geographic》 등 주요 국제 매체에 소개되었으며, 소니 월드 포토그래피 어워드(Sony World Photography Awards)와 IPA 국제사진상(International Photography Awards)을 비롯한 국제적인 상을 통해 인정받았다.","en":"Andrés Gallardo Albajar is an architectural and urban photographer whose distinct visual language is deeply rooted in his upbringing in Spain among architects and his background in graphic design. Transitioning to a full-time artistic practice in 2018 following a pivotal exhibition in Seoul, his work transcends mere documentation to explore the aesthetic narratives and structural forms of urban spaces. His photography has garnered widespread international recognition, featuring in major publications such as Architectural Digest and National Geographic, and earning prestigious accolades including the Sony World Photography Awards and the IPA International Photography Awards.","fr":"Andrés Gallardo Albajar est un photographe d'architecture et urbain dont le langage visuel distinct est profondément ancré dans son enfance en Espagne, entouré d'architectes, et dans sa formation en design graphique. Passé à une pratique artistique à plein temps en 2018 à la suite d'une exposition décisive à Séoul, son travail dépasse la simple documentation pour explorer les formes structurelles et les récits esthétiques des espaces urbains. Ses photographies ont acquis une large reconnaissance internationale, publiées dans des magazines majeurs tels qu'Architectural Digest et National Geographic, et récompensées par des prix prestigieux, notamment les Sony World Photography Awards et les IPA International Photography Awards."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a38","code":"A38","title":{"ko":"Chapter 4_Busan, S.Korea 1","en":"Chapter 4_Busan, S.Korea 1","fr":"Chapter 4_Busan, S.Korea 1"},"year":2022,"image":{"src":"/artworks/A38.webp","dominant":"#97836f","accent":"#01a59e","alt":{"ko":"청록색 하늘과 바다 사이에 붉은 바위 절벽과 자갈밭이 놓인 컬러 사진","en":"A colour photograph of a reddish rock outcrop and pebble shore set between a turquoise sky and turquoise sea","fr":"Une photographie en couleur d'un éperon rocheux rougeâtre et d'une plage de galets entre un ciel et une mer turquoise"},"ratio":0.7496251874062968,"carouselSrc":"/artworks/800/A38.webp"},"dimensions":"59.4 x 84.1 cm (A1)","curatorIntent":{"ko":"국제적으로 주목받는 브랜드 디렉터이자 시각예술가인 김대환(Jason Kim)은 세상을 가장 근본적인 형태로 바라보는 데서 영감을 얻는다. 그의 예술적 여정은 본질을 찾으려는 조용한 탐구에서 시작된다. 여러 층위를 하나씩 걷어내고 나면 더 이상 환원할 수 없는 것만이 남는다. 사물의 지속되는 본성, 시간의 흔적, 땅에 깊이 뿌리내린 색채들이다.\n\n그 여정은 작가가 태어나고 자란 한국의 항구도시 부산으로 다시 돌아간다. 끊임없이 변하는 도시의 스카이라인 너머에는 보다 고요한 영원의 파편들이 존재한다. 오랜 사찰의 풍화된 지붕, 수백 년 동안 바람과 파도에 깎인 해안의 바위, 어린 시절부터 같은 해변에 머물던 바닷새들이 그러한 풍경을 이룬다.\n\n김대환에게 이들은 단순한 풍경이 아니다. 인간의 개입을 넘어 지속된 세계를 증명하며, 말없는 아름다움과 태초의 순수성을 간직하고 있는 ‘시간의 조용한 생존자’들이다.\n\n작가는 이런 장소를 단순히 기록하는 대신, 그 안에 담긴 시간을 수집하고자 한다. 절제되어 있으면서도 감정을 불러일으키는 색채, 복잡하고 세밀한 질감, 익숙함과 초현실 사이의 경계를 흐리는 구도를 통해 평범한 풍경을 기억과 존재에 관한 사색의 순간으로 바꾼다.\n\n그의 사진은 향수의 표현이 아니다. 여전히 남아 있는 모든 것, 자연의 회복력, 무상함의 존엄, 사라지기를 거부하는 사물의 본질을 향한 조용한 헌사다.\n\n어쩌면 이 세상에서 가장 오래된 것들이 우리 안에 가장 낯선 경이로움을 일깨울지도 모른다.\n\n작가는 이 연작을 위해 부산의 범어사, 해운대, 자갈치를 찾아가 사진을 찍었다.","en":"$3b","fr":"$3c"},"description":{"ko":"화면 위쪽 절반이 구름 없는 청록색 하늘이고, 아래쪽 가장자리는 같은 청록색 바닷물이 잔물결을 일으킨다. 가운데에는 붉은빛과 초록빛이 섞인 바위 절벽이 가로로 솟아 있고, 그 아래로 둥근 자갈이 깔린 비탈이 물가까지 이어진다. 사람이나 건물은 보이지 않는다.","en":"The upper half of the frame is a cloudless turquoise sky, and the lower edge is sea of the same turquoise, breaking into small waves. A rock outcrop mottled red and green rises across the middle, and a slope of rounded pebbles runs from its base down to the water. No people or buildings appear.","fr":"La moitié supérieure du cadre est un ciel turquoise sans nuage, et le bord inférieur une mer du même turquoise, brisée de petites vagues. Un éperon rocheux moucheté de rouge et de vert s'élève en travers du milieu, et une pente de galets arrondis descend de sa base jusqu'à l'eau. Ni personne ni bâtiment."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_nature","name":"$f:props:works:0:themes:0:name","description":"$f:props:works:0:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_water","name":"$f:props:works:0:themes:1:name","description":"$f:props:works:0:themes:1:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A11","name":{"ko":"김대환","en":"Jason Kim","fr":"Jason Kim"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"런던과 서울을 오가며 활동하는 김대환(Jason Kim)은 예술과 기술을 결합하는 작가다. 프리즈(Frieze)와 사치 갤러리(Saatchi Gallery) 등에서 국제적인 성과를 거두었지만, 그의 작업은 언제나 어린 시절을 보낸 고향 부산에 뿌리를 두고 있다. 부산의 바다와 빛을 담아내며 가장 원초적인 감각을 탐색하고, 자신의 시각이 시작된 근원으로 되돌아간다.","en":"Based between London and Seoul, artist Jason Kim merges art and technology. Despite global success at Frieze and Saatchi Gallery, his work remains rooted in his childhood home of Busan. Capturing its sea and light, he explores elemental sensations, returning to the origin where his vision began.","fr":"Artiste et directeur global basé entre Londres et Séoul, Jason Kim fusionne art et technologie. Bien qu'exposé à la Saatchi Gallery et sur Frieze, son travail s'enracine à Busan, ville de son enfance. Avec son appareil, il y capture la mer et la lumière, cherchant non pas le passé, mais des sensations élémentaires antérieures aux concepts. Malgré sa portée internationale, Busan reste son point d'origine discret, là où son regard est né."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]},{"id":"artwork_mmm_a43","code":"A43","title":{"ko":"일방통행","en":"The Way Forward","fr":"The Way Forward"},"year":2020,"image":{"src":"/artworks/A43.webp","dominant":"#8b8b8b","accent":"#9c9c9c","alt":{"ko":"좁은 골목 바닥에 '일방통행'과 화살표가 크게 그려진 흑백 사진","en":"A black-and-white photograph of a narrow alley with large Korean road lettering and an arrow painted on the asphalt","fr":"Une photographie en noir et blanc d'une ruelle étroite, une large inscription coréenne et une flèche peintes sur l'asphalte"},"ratio":1.7523364485981308,"carouselSrc":"/artworks/800/A43.webp"},"dimensions":"40 × 70 cm","curatorIntent":{"ko":"<일방통행>(The Way Forward)은 일란 데렉이 2020년에 찍은 흑백 사진이다. 좁은 골목 바닥에 흰 페인트로 그린 화살표와 '일방통행' 네 글자를 낮은 시선으로 정면에서 담았다. 양옆에는 현수막과 간판이 빽빽하고, 골목 끝은 공사 비계로 덮인 구조물이 막고 있다. 작가가 끌린다고 말하는 한국의 골목 풍경으로, 영어 제목 'The Way Forward'(앞으로 나아갈 길)는 바닥의 화살표와 겹쳐 읽힌다.\n\n사랑을 통해 한국은 작가의 삶의 일부가 되었다. 한국을 사진으로 담는 일은 작가에게 아내의 이야기가 깊이 깃든 장소에 더욱 가까워지는 방법이기도 하다.\n\n작가는 한국의 조용한 구석들에 이끌린다. 작은 식당, 텅 빈 골목, 오래된 지붕들, 시장 같은 곳이다. 이런 평범한 장면들에는 무언가 다정한 것이 있다.\n\n작가는 그러한 장면들을 통해 한국과 자신만의 관계를 조금씩 만들어 가고 있다. 처음 마주하는 순간인데도 익숙하게 느껴지는 시간을 수집하며, 다른 사람의 고향이 점차 자신의 일부가 되도록 받아들인다.","en":"“The Way Forward” is a black-and-white photograph Ilan Derech took in 2020. Seen head-on from low down, a narrow alley carries a white painted arrow and the four Korean characters ‘일방통행’ (“One Way”). Banners and signs crowd both sides, and the far end is blocked by a structure wrapped in scaffolding. It is one of the Korean alleys the artist says they are drawn to, and its title reads together with the arrow on the ground.\n\nThrough love, Korea became part of the artist’s life. Photographing Korea is also a way of growing closer to places deeply imbued with their wife’s story.\n\nThe artist is drawn to the quiet corners of Korea: small restaurants, empty alleys, old rooftops, markets. There is something tender in these ordinary scenes.\n\nThrough such scenes, they are gradually building their own relationship with Korea. Collecting moments that feel familiar even when encountered for the first time, they let someone else’s homeland slowly become a part of them.","fr":"$3d"},"description":{"ko":"좁은 골목을 정면에서 낮게 내려다본 구도다. 바닥에는 흰 페인트로 위를 가리키는 화살표와 '일방통행' 네 글자가 크게 그려져 있다. 양옆으로는 주차장 안내 현수막과 간판이 빽빽하게 걸려 있고, 오른쪽 가게 앞에 사람 한 명이 서 있다. 골목 끝은 공사 비계가 덮은 구조물로 막혀 있으며 전체가 흑백이다.","en":"A narrow alley is seen head-on from low down. An arrow pointing forward and four large Korean characters are painted in white across the asphalt. Parking banners and shop signs crowd both sides, and a single person stands in front of a shop at the right. The far end of the alley is closed off by a structure wrapped in scaffolding, and the whole image is black and white.","fr":"Une ruelle étroite est vue de face, en contre-plongée basse. Une flèche dirigée vers l'avant et quatre grands caractères coréens sont peints en blanc sur l'asphalte. Banderoles de parking et enseignes se pressent des deux côtés, et une personne se tient devant une boutique à droite. Le fond de la ruelle est barré par une structure enveloppée d'échafaudages, et toute l'image est en noir et blanc."},"facts":{"ko":[],"en":[],"fr":[]},"medium":{"id":"medium_c_print","name":"$f:props:works:0:medium:name","description":"$f:props:works:0:medium:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},"era":"$undefined","themes":[{"id":"theme_city","name":"$f:props:works:5:themes:0:name","description":"$f:props:works:5:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"},{"id":"theme_trace","name":"$f:props:works:3:themes:0:name","description":"$f:props:works:3:themes:0:description","color":"$undefined","range":"$undefined"}],"emotions":[],"artist":{"id":"artist_A09","name":{"ko":"일란 데렉","en":"Ilan Derech","fr":"Ilan Derech"},"birthYear":"$undefined","nationality":{"ko":"","en":"","fr":""},"bio":{"ko":"일란 데렉(Ilan Derech)은 멕시코에서 태어나 도쿄를 기반으로 활동하는 시각예술가로, 덧없이 지나가는 순간들을 영화적인 정적 속에 담아낸다. 생성형 디자인에서 출발해 사진과 영화로 작업 영역을 확장하면서 동아시아 풍경의 분위기와 아름다움을 깊이 기록하고 있다.\n\n도쿄의 시적이고 고요한 거리, 일본 각지의 풍경, 활기가 넘치는 부산 남포시장의 에너지, 서울에 조용히 내리는 눈에 이르기까지 각 도시가 가진 고유한 정서를 포착한다. 일본의 ‘와비사비(wabi-sabi)’와 ‘마(間, 여백)’에서 영감을 받아 빛과 우연한 만남을 시각적 하이쿠로 엮으며, 일상의 무상함을 깊은 울림을 가진 디지털 아트로 변환한다.","en":"Mexico-born, Tokyo-based visual artist Ilan Derech translates fleeting moments into cinematic stillness. Evolving from generative design to photography and film, he deeply documents the atmospheric beauty of East Asia. From the poetic, quiet streets of Tokyo and landscapes across Japan to the vibrant energy of Busan’s Nampo Market and silent snowfalls in Seoul, his work captures the distinct soul of each city. Inspired by wabi-sabi and ma (negative space), Ilan weaves light and spontaneous encounters into visual haikus, turning the impermanence of daily life into deeply resonant digital art.","fr":"Artiste visuel né au Mexique et basé à Tokyo, Ilan Derech transforme l'instant éphémère en une quiétude cinématographique. Passé du design génératif à la photographie et au film, il documente la beauté atmosphérique de l'Asie de l'Est. Des rues poétiques de Tokyo et divers paysages japonais jusqu'à l'énergie vibrante du marché de Nampo à Busan et la sérénité des neiges de Séoul, son œuvre capture l'âme singulière de chaque ville. Inspiré par le wabi-sabi et le concept de ma (l'espace négatif), Ilan compose avec la lumière pour créer des haïkus visuels, faisant de l'impermanence du quotidien un art numérique profondément humain."},"practice":{"ko":"","en":"","fr":""},"collaborations":[],"otherWorks":[]},"related":[]}]}]